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Por fin llega a las salas de cine de todo México el siguiente volumen de la grata sorpresa que Marvel Studios nos lanzó en 2014. Guardianes de la Galaxia Vol. 2 llega con zapatos muy grandes para llenar y, antes de entrar en detalles, si ustedes permiten, con algo de franqueza ha de decirse que si esta secuela llena o no los zapatos de su antecesora va a resultar un asunto de percepción en la mayoría de los casos (algo que muchos críticos no están entendiendo); el secreto detrás del éxito de la primera entrega se debió a su frescura y NOVEDAD, a que dentro de la burbuja cinematográfica de los superhéroes no se había visto algo parecido. Lo diferente de personajes tan extraños y alienígenas que, al mismo tiempo, mostraban tanto corazón detrás de su enojo contra el mundo y sus personalidades rotas que dominaban magistralmente la simulación del humor involuntario fue algo refrescante y, comparándolo con un truco de magia, sólo puedes hacerlo una vez en una saga cinematográfica con los mismos protagonistas, así que a mucha gente el no poder repetir la sensación de novedad le va a parecer que hace a esta cinta inferior, pero es un sentimiento completamente falto de objetividad. Aclarado ese detalle, sin más, que comience la exploración de lo que puede esperarse de esta nueva entrega.
*El presente texto contiene detalles de la trama de «Logan», pero ningún Spoiler*
Contexto:
Ya no es necesario ser nerd para saber quién es Wolverine… toda una generación sabe quién es Hugh Jackman gracias a este personaje, mismo que empezó a interpretar en «X-Men» en el año 2000 y del que 17 años después se despide en una película que solamente puedo calificar como «el moño de oro» de una saga con altibajos, pero legendaria.
Wolverine, como personaje, no surge con los X-Men, sino que debuta en 1974 en el número 180 de «The Incredible Hulk» en las últimas páginas y entra a la acción en el 181, como una de las armas humanas del gobierno canadiense, desplegado para contener al usualmente incomprendido gigante verde.
Dirige: James Gunn.
Escriben: James Gunn, Nichole Pearlman.
Actúan: Chris Pratt, Zoe Saldaña, Dave Bautista, Vin Diesel (voz), Bradley Cooper (voz), Lee Pace, Michael Rooker, Karen Gillian, Djimon Honsou, Glenn Close, John C. Reilly, Benicio Del Toro, Josh Brolin.
Lo bueno: Groot (Lo que James Gunn hizo por Groot se lleva de calle lo que Josh Whedon hizo por Hulk en Los Vengadores). El soundtrack. Ah, y que aunque ver el resto de las películas de Marvel da contexto, no es totalmente necesario para entender esta.
Lo raro: Poco en la película es más raro que sus protagonistas.
El «Ay’no ma…»: La escena post-créditos (y miren que en una película como esta es mucho decir).
Dirige: Zack Snyder
Escriben: Christopher Nolan, David S. Goyer
Actúan: Kevin Costner, Diane Lane, Russel Crowe, Henry Cavill, Amy Adams, Michael Shannon, Laurence Fishburne, Antje Traue.
Lo mejor: El espectáculo visual y creativo que se ofrece al espectador y las referencias a Wayne Enterprises y Lexcorp y que al fin se representa más acertadamente el nivel de poder del personaje.
Lo peor: El ritmo… la cinta se siente a momentos desbalanceada, grumos concentrados de acción, drama y emotividad que no se mezclaron bien entre sí. La actuación de los villanos.
Lo divertido: El desquite que se avienta superman con un trailero abusivo y la cara del cura a quien le confiesa quién es para pedirle consejo.
Lo WTF: Este superman, al igual que el de los cómics, si tiene los tamaños de tomar medidas extremas si no le queda de otra… vean el desenlace del enfrentamiento final
Calificación: Palomera – 3.5/5; Intelectual – 3/5; Comiquera: 3.5/5
Dirige: Christopher Nolan.
Escriben: Christopher Nolan, Jonathan Nolan, David S. Goyer.
Actúan: Christian Bale, Michael Caine, Morgan Freeman, Gary Oldman, Anne Hathaway, Tom Hardy, Marion Cotillard, Joseph Gordon-Levitt.
Lo mejor: La visión de Nolan, su adaptación y la actuación de Michael Caine.
Lo peor: Algunos hoyos en su historia.
Calificación: Cinéfila palomera – 4/5; Intelectual – 3/5; Comiquera relajada: 4/5 – Comiquera Sheldon Cooper: 3/5; SuperFan: 5/5.
Dirige: Martin Campbell.
Escriben: Greg Berlanti, Michael Green, Marc Guggenheim, Michael Goldenberg.
Actúan: Ryan Reynolds, Blake Lively, Peter Sarsgaard, Mark Strong, Angela Bassett, Tim Robbins.
Lo mejor: Los mejores efectos especiales del verano, un gran reparto.
Lo peor: El traje del protagonista y que su premisa «cósmica» y elementos mitológicos podrían estar entre las más difíciles de tragar para el cinéfilo promedio.
Lo estimulante: La escena final.
Calificación: Cinéfila palomera – 3/5; Intelectual – 2/5; Comiquera relajada: 3/5 – Comiquera Sheldon Cooper 2/5.
Contexto:
Bueno, el primer punto antes de ver esta cinta es que la noción de que nos hicieran esperar casi dos meses después de su estreno en Estados Unidos para traerla a México ya induce un poco de frustración en este verano de Blockbusters al por mayor…
Como personaje, Linterna verde hace su primera aparición en 1940, siendo un superheroe muy enfocado a la fantasía y cuyo alter ego era Alan Scott, un ingeniero ferroviario que tras un accidente en tren se vio en posesión de una lámpara mágica que le hablaba y manifestaba poder a través de un anillo, convirtiéndolo en Superhéroe.
Como todo cómic, esta primera encarnación de Linterna verde tuvo sus altibajos, hasta que fue abandonado… a finales de los 50´s DC comics intentaba revivir héroes en desuso, pero en lugar de revivir a las figuras originales, muchos de estos héroes olvidados fueron reinventados, es de esta manera que, en 1959, Linterna Verde renace, ahora como Hal Jordan, recibiendo un anillo de poder de un moribundo Abin Zur y pasando a formar parte del cuerpo de Linternas verdes, sucesos que fueron adaptados en esta película…
De esa manera es que se quiso orientar a este personaje mucho más hacia la ciencia ficción y darle un trasfondo cósmico, que trascendiera al planeta tierra y, de paso, convirtiéndolo en uno de los héroes más reconocidos de la compañía, a partir de entonces, siendo parte de muchos de los grandes éxitos comerciales dentro de la misma.
Reseña:
Hace muchos miles de millones de años, un grupo de seres inmortales conocidos como «Los guardianes del universo» aprovecharon la esencia verde de la fuerza de voluntad para crear el planeta Oa, desde donde podían verlo todo, y para formar el cuerpo de linternas verdes, una policía cósmica encargada de mantener el orden en todas las galaxias… para esto, los guardianes dividieron el universo en 3600 sectores, asignando un linterna a cada uno de ellos, se dice, que para poder ser un linterna verde, uno no debe sentir miedo.
Hace tiempo, una entidad misteriosa y terriblemente peligrosa, Parallax, apareció en escena, aprovechando la esencia amarilla del miedo para esparcir caos y destrucción en el universo, siendo, en su momento, detenida por el legendario Linterna Verde del sextor 2814, Abin Zur (Temuera Morrison) y confinado al desolado planeta Ryut, en una región conocida como «el sector perdido».
Seis meses atrás, una nave alienígena colisiona accidentalmente en Ryut, e inesperadamente caen en el lugar donde Parallax se encontraba atrapado, despertándolo y permitiendo, a través de su miedo, que este ser empezara a restaurar su poder.
Seis meses después, Parallax ha destruído dos planetas y asesinado individualmente a cuatro linternas, antes de llegar al sector 2814 y encontrar a Abin Zur, a quien, en venganza, hiere de muerte, pero no logra eliminar antes de que pueda advertir a uno de sus compañeros linternas, Sinestro (Mark Strong), pidiendo que avisara a los guardianes que Parallax había regresado, para después huir al planeta habitado más cercano, la Tierra y activar su anillo para encontrar un sucesor…
Es entonces que conocemos a Hal Jordan (Ryan Reynolds), un piloto de pruebas para la empresa «Ferris Aircraft», desenfadado, cínico, algo irresponsable y atormentado por el recuerdo de la trágica muerte de su padre, Jordan es un desorden y lo demuestra en una prueba contra dos prototipos de aviones robot con tácticas que casi le cuestan la vida y hacen que la empresa entre en riesgo de perder su contrato con el gobierno.
Inadvertidamente, Jordan es transportado por una luz verde al lugar en que la nave de Abin Zur se estrelló, ahí, el alienígena le entrega a Jordan su anillo y su linterna, explicándole que debe ser su sucesor y el gran honor y responsabilidad que ello implica. Jordan escapa de la escena antes de que la nave y el cuerpo de Abin Zur sea descubierto por la milicia.
El doctor Hector Hammond (Peter Sarsgaard) es convocado por Amanda Waller (Angela Bassett) para realizar la autopsia de Abin Zur, sin embargo, inesperadamente, Hammond es infectado por una parte de la esencia de Parallax atrapada en la herida de Abin Zur, esta energía muta el cuerpo de Hammond, dándole poderes telepáticos y telequinéticos, pero haciéndolo enloquecer y deformando su cuerpo.
Tras ser atacado por tres hombres, Hal descubre de forma sorpresiva el poder de su anillo que, al activarse, lo transporta al planeta Oa, donde descubrirá que es el primer ser humano en portar un anillo de linterna verde, y conocerá interesantes personajes, algunos de los cuales lo harán sentir bienvenido, pero otros, lo harán sentir despreciado por reemplazar al legendario Abin Zur y subestimado, por ser humano, una especie vista como primitiva.
La presión es demasiada y Hal se siente forzado a renunciar al cuerpo y regresar a la tierra, conservando su anillo y su linterna, ahí, eventualmente, se ve forzado a confrontar a un cada vez más loco Hammond, quien, por medio de su lazo inconciente con Parallax, lo dirige hacia la tierra, para destrozar otra civilización y absorber el poder de su miedo, lo que considera suficiente para derrotar a los guardianes y a todo el cuerpo de linternas verdes.
El curso de colisión está marcado para todos los personajes y la cuenta regresiva para definir el destino de la tierra ha comenzado… ¿Podrá Jordan superar sus complejos y descubrir que el valor no es la ausencia de miedo, sino saber superarlo, a tiempo para enfrentar al ser más poderoso de la existencia? Bueno, la respuesta a esa pregunta, aunque obvia, queda en el aire.
Veredicto:
Tras tener cerca de dos meses desde el estreno en Estados Unidos de esta película para seguir de cerca las reacciones de la prensa especializada y de los medios en general con respecto a la misma y poder ver cómo todo mundo DESTROZÓ esta producción, tal vez muchos no la vean y algunos de los que sí, quizás se vean parcializados por dichas opiniones negativas predominantes.
Hay algunos enfoques desde los que la visión de esta cinta podría parecer inusual… ¿Por qué? Bueno, las películas basadas en cómics tiende a buscar construir una realidad mundana y luego hacerle a esta un contrapeso a través de los elementos sobrenaturales, fantásticos o de ciencia ficción relacionados con la creación del o los superhéroes protagonistas, mostrándolos como una luz poco común en un mundo normal… y en ese aspecto, esta película rompe el molde de la tendencia, pues desde un principio la historia se centra en los preceptos históricos, cósmicos y hasta metafísicos que rodean a la mitología del cuerpo de Linternas verdes, por lo que en el aspecto fantástico y de ciencia ficción, de por sí predominante en el género, está muy sobrecargada (Digo, incluso en «Thor», se trató de convertir la mitología nórdica en una interpretación de figuras extraterrestres altamente avanzadas) y es que aquí, lo que vemos, es lo opuesto, aspectos cósmicos, fantásticos y de ciencia ficción descendiendo sobre un mundo normal del que no nos ofrecen elaboración alguna, estallando ambos en la colisión.
Sin embargo, la crítica, en mi humilde opinión, ha estado descargándose de más con esta película, si, no es la octava maravilla y la manera en que está estructurada nos brinda las mayores impresiones al principio, empalagándonos y reduciendo el impacto de estos elementos desde muy temprano en la trama, pero es, en general, una película, para su género y contexto, decente, no sobresale en nada, fuera de sus efectos especiales, pero definitivamente no es TAN mala como nos han querido hacer creer.
Mención aparte merecen sus efectos especiales, los aliens, tanto los totalmente hechos en CGI como aquellos creados con la ayuda de la técnica utilizada en «Avatar» de James Cameron, se ven estupendos, e incluso muchísimo más realistas que los de la cinta antes mencionada, se ve el presupuesto y el esfuerzo detrás de la parte visual de esta película… sin embargo, resulta un poco desconcertante ver tal despliegue excelso de efectos especiales verse contrastado con el simple hecho de no poder montar un antifaz virtual sobre la cara de Ryan Reynolds y hacerlo ver como algo más que un CGI de la peor calidad…
A final de cuentas, «Linterna Verde» es esa clase de película que todo el que haya conocido al personaje (en cómics, animaciones u otras adaptaciones) y le haya agradado, seguramente disfrutará, así mismo todo aquel fan en general de los cómics… pero eso sí, aquel atrapado por la tendencia argumental de este tipo de cintas, que espere ver al personaje realizado de un modo que apele desde una dirección diferente a la normalidad del mundo y su contraste con lo fantástico del género, podría verse decepcionado… dicho sea de paso, como casi siempre comento en cuanto a este tipo de películas se refiere, toda persona que espere ver algo más que un blockbuster de verano súper cargado de efectos especiales, mejor aléjese de esta producción, pues, si en algo es honesta, es en la manera en que no se toma en serio a sí misma y eso, sin caer en el ridículo, suele ser una virtud, como en este caso.
Trailer:
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Con esto llegamos al fin de un Domingo de Entretenimiento más, esperando que haya sido de su agrado y recordándoles que pueden seguir este espacio por Facebook (en “Esa voz en tu cabeza“) y por Twitter (a través de @ZarexAvatar o revisando el hashtag #EsaVozEnTuCabeza con regularidad) y dejen sus comentarios y opiniones, tanto del contenido actual, como de lo que les gustaría ver, les aseguro que serán leídas con agrado y respondidos a la brevedad.
Gracias por leer.
Fin de la entrada.
Dirige: J. J. Abrams.
Escribe: J. J. Abrams.
Actúan: Joel Courtney, Elle Fanning, Kyle Chandler, Ron Eldard, Noah Emmerich, Bruce Greenwood, David Gallagher, Riley Griffiths, Michael Hitchcock, Ryan Lee, Gabriel Basso, Caitriona Balfe, Amanda Michalka, Zach Mills, Remy Thorne, Glynn Turman y Dan Castellaneta.
Lo mejor: El factor nostalgia, los efectos especiales y la mezcolanza de aspectos de películas que por separado no son nada compatibles.
Lo peor: Difícil decir lo peor de esta cinta sin arruinar el final… sólo diré que es algo arriesgado hacer que un personaje cruce ciertas líneas morales y luego querer presentarlo como un personaje «bueno, pero incomprendido» y presentar «justificaciones».
Lo estimulante: Pues realmente lo más estimulante de esta cinta se toma en cuenta si quien la ve es Spielberg, pues esta cinta es, a fin de cuentas, para él; y sí, también para sus fans.
Calificación: Cinéfila palomera – 3/5; Intelectual – 2/5; Sheldon Cooper 2/5.
Contexto:
Hay mucho contexto tras esta cinta… tanto las influencias moderadas de su director como las predominantes de su productor y es que a fin de cuentas, muchos asumen que la presencia de Steven Spielberg se impuso a Abrams y que por eso esta pareciera una cinta de, por y para Spielberg, pero es de esperarse que ello también venga de la propia admiración que Abrams tenga por él y su filmografía, más cuando es un trabajo en el que el mítico cineasta ha estado involucrado desde el comienzo.
Es por ello que la mayor influencia en esta cinta radica en lo ya dicho, quién la dirige y quién la produce… de modo que cuando vemos a un montón de niños corriendo con un tren descarrilado cayendo a su alrededor, algunos recordarán esa escena del piloto de la serie LOST (Co-creada por Abrams) en que los sobrevivientes caminaban por los restos de su avión cuando uno de los motores explota… así mismo, las apariciones de la misteriosa criatura de la cinta a más de uno le recordarán a Cloverfield (Dirigida por Abrams), fuera de eso, el desarrollo de la cinta y los personajes funcionan más a «nivel Spielberg» (quizás demasiado) especialmente en cuanto a cómo encaja la ciencia ficción en la trama.
La historia de esta cinta se gestó a partir de charlas donde Abrams, Spielberg y otros compartían anécdotas de su adolescencia en que trataban de filmar sus películas y es este punto donde más se nota que, ya fuera a propósito o no, esta cinta es un homenaje de Abrams a Spielberg, no sólo de su filomografía, sino de él, como persona, a través del personaje interpretado por Riley Griffiths, ese aspirante a director de ascendencia judía, y la pasión que demuestra por el cine y por ser cineasta.
Para terminar, Super 8 es un híbrido muy extraño que se nutre de modos desiguales, pero palpables, de las influencias de Abrams y Spielberg, resultando en una mezcla contraintuitiva de aspectos de filmes como «E.T.» y «Cloverfield», de modo que notamos que la influencia de Spielberg se ve complementada con ese toque oscuro que Abrams ha dado a parte de su filmografía en este género.
Reseña:
La cinta comienza de una forma triste, presentándonos de manera indirecta la muerte de la madre de Joe Lamb (Joel Courtney), un muchachito de 13 años. En el velorio podemos ver a algunos de sus amigos, especialmente a Charles Kasnyk (Riley Griffiths) expresar que tras esta tragedia, Joe se negará a trabajar en su película.
Joe se encuentra en el patio delantero de su casa cuando ve llegar a Louis Dainard (Ron Eldard) a su casa para presentar sus respetos, pero Jackson (Kyle Chandler), el padre de Joe y asistente del comisario del pueblo, retira a Louis del lugar esposado y se lo lleva en su auto.
Cuatro meses pasan, Joe lidia con su pérdida y se concentra en ayudar a su amigo Charles a hacer su película (una historia sobre Zombies llamada «El caso») cuando este último invita a participar en el proyecto a Alice (Elle Fanning), la hija de Louis Dainard, cosa que emociona a Joe, a quien desde un principio parece gustarle.
El plan es que Alice «pida prestado» el auto de su padre y lleve a Charles, Joe y al resto de sus amigos a un viejo depósito al lado de las vías del tren donde filmarán algunas escenas, mientras lo hacen, un tren pasa, lo que Charles ve como una oportunidad para elevar el valor de producción de la escena. Mientras filmaban, Joe ve cómo una camioneta blanca, de forma premeditada, se interpone en el camino del tren, descarrilándolo y obligando a los niños a huir del lugar, buscando refugio ante el desastre mientras la cámara se queda filmando.
Tras el descarrilamiento, los muchachos se buscan entre sí y descubren, primero, unos extraños cubos blancos salidos de uno de los vagones (de los que Joe toma uno) y, segundo, la camioneta que se interpusiera al tren, a la cual se acercan para descubrir, aún con vida, a su maestro de biología, el doctor Woodward (Glynn Turman), quien se encuentra muy maltrecho, pero les pide irse y no hablar del incidente o, de otro modo, ellos y sus padres morirían, para que, segundos después, aparecieran a lo lejos soldados de la fuerza aérea, liderados por el coronel Nelec (Noah Emmerich) acordonando la zona y de los cuales los muchachos apenas logran escapar sin ser distinguidos.
Es a partir de este incidente que cosas raras comienzan a pasar, los perros huyen en todas direcciones del pueblo, y comienzan a desaparecer todo tipo de aparatos electrónicos y hasta cable eléctrico y motores de autos, además de, claro, personas (entre ellas el comisario, dejando toda la responsabilidad sobre Jackson), sin mencionar la cada vez más predominante presencia militar que, de paso Jackson encuentra sospechosa.
A pesar del ambiente cada vez más enrarecido de su comunidad, Charles y sus amigos continúan filmando la película, lo que contribuye a que haya un cada vez mayor acercamiento sentimental entre Joe y Alice, lo que ambos descubren, es un inconveniente para sus padres que, por sus propios fantasmas del pasado, no se soportan y les prohíben verse, orden que ambos jóvenes, por supuesto, ignoran.
Jackson nota que la fuerza aérea está usando frecuencias locales para comunicarse, y pide a algunos de sus hombres monitorearlas, cuando se da cuenta de que planean una operación en el pueblo y confronta al Coronel Nelec, quien lo cita en su base para hablar, sólo para mantenerlo en arresto militar.
Charles y Joe revisan la cinta del accidente, descubriendo algo que no se esperaban, atestiguando que «algo» sale de uno de los vagones del tren.
Cuando Alice regresa a casa de filmar una escena es confrontada por su padre, con unas copas de más, quien le reclama no obedecerlo cuando le ordenó mantenerse lejos de Joe, tras una discusión, Alice sale de casa en su bicicleta, seguida por Louis en su auto, quien, debido a su estado, choca, al ver esto, Alice se detiene, sin percatarse de lo que estaba detrás de ella que, se la lleva ante los atónitos ojos de su padre, maltrecho por el choque.
La fuerza aérea inicia un incendio deliberado en el pueblo, para evacuar a la población y llevarla a un refugio, donde Joe se encuentra con Louis, quien le explica lo que le pasó a Alice, pero se lamenta de que nadie le cree «Yo si le creo», le responde Joe, tras lo cual va con sus amigos, a convencerlos de regresar al pueblo, a armar las piezas de lo que saben de todo el asunto y buscar a Alice, con la esperanza de encontrarla viva.
Veredicto:
Fue bueno poder ver esta cinta en cartelera, a casi dos meses de su lanzamiento en Estados Unidos… y tal como se ha dicho, Super 8 tiene rasgos de sus «padres» (Abrams y Spielberg) y es un híbrido extraño entre sus estilos y algunos de sus filmes, esta película es oro puro para los fanáticos de la ciencia ficción de 70’s y 80´s (especialmente en lo que a Spielberg se refiere) e incluso a más de uno le puede recordar la atmósfera de algunas de las obras de Stephen King como «eso» o «dreamcatcher» en el sentido de tener a un montón de niños, en un pueblo pequeño, destinados a verse cara a cara con algo fuera de este mundo y de su comprensión.
Si no te gustan las cintas de ciencia ficción de antaño, si te cae mal Spielberg y su filmografía y si eres fanático de la ciencia ficción más sofisticada, entonces esta producción no te conviene verla, pues hay que entrar a la sala teniendo el nombre de Spielberg en mente (al menos en lo que a su función como productor se refiere), pues siempre involucra filmes palomeros para disfrutar, sin que ofrezcan una trascendencia más allá del tiempo que puedas pasar entretenido mientras los ves.
Trailer:
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Con esto llegamos al fin de otro Domingo de Entretenimiento, esperando que haya sido de su agrado y recordándoles que pueden seguir este espacio por Facebook (en “Esa voz en tu cabeza“) y por Twitter (a través de @ZarexAvatar o revisando el hashtag #EsaVozEnTuCabeza con regularidad) y dejen sus comentarios y opiniones, tanto del contenido actual, como de lo que les gustaría ver, les aseguro que serán leídas con agrado y respondidos a la brevedad.
Gracias por leer.
Fin de la entrada.
Dirige: Joe Johnston.
Escriben: Christopher Markus, Stephen McFeely.
Actúan: Chris Evans, Tommy Lee Jones, Hugo Weaving, Hayley Atwell, Sebastian Stan, Dominic Cooper, Neal McDonough, Derek Luke, Stanley Tucci.
Lo mejor: Los efectos especiales, el reparto y la manera en que encaja con las historias del resto de las películas de Marvel.
Lo peor: A pesar del éxito al actualizar esta historia para las masas, tanto el antagonista principal, como su destino final, no convencen del todo.
Lo estimulante: Los guiños para los fans de Marvel y sus otras cintas y el breve trailer de «Los vengadores» que aguarda a quien espere a que terminen los créditos.
Calificación: Cinéfila palomera – 3/5; Intelectual – 2/5; Comiquera relajada: 3/5 – Comiquera Sheldon Cooper 2/5; Marvel Zombie – 5/5.
Contexto:
Es algo muy palpable que algunos de los personajes con mayor tradición en los cómics son los más desestimados por el público en general, especialmente real es esto para Superman de DC Cómics y para el Capitán América, de Marvel.
Sin embargo, en donde DC ha fallado (en trasladar al hombre de acero al cine de un modo que apele a la generación actual), Marvel finalmente ha tenido éxito, con uno de los personajes que siempre se consideró más difícil de adaptar para las masas, por considerarse una propaganda pro-estadounidense con patas, y es que al final… poco es lo que se puede decir del Capitán América con sólo verlo más allá de dejarse llevar por el atuendo aparente de un mameluco con la bandera de su País…
Marvel ha invertido demasiado esfuerzo, tanto en la inclusión de actores de carácter, como en procurar la participación de los escritores de sus cómics por lo menos en la forma de consultores en la generación de los libretos, además de, obviamente, destinar enormes presupuestos al desarrollo e incorporación de efectos especiales de última generación para llevar a sus personajes a la pantalla grande como nunca se había hecho. Y si, el resultado dista enormemente de ofrecernos películas artísticas, intelectuales, profundas o a cualquier nivel (además de «efectos especiales») dignas de un oscar, pero, contextual y en comparación con las cintas basadas en cómics realizadas en el pasado, los resultados son bastante alentadores.
Como Superhéroe, el Capitán nace en Diciembre de 1940, creado por Joe Simon y Jack Kirby, al publicarse su primer cómic, cuya portada, famosa desde aquel entonces, fue recreada para la película (la que presenta al Capitán golpeando en la mandíbula al mismísimo Hitler). Dado el ambiente de aquellos años, envueltos en la segunda guerra mundial, fue uno de los cómics más vendidos, hasta la era de la post-guerra, cuando las ventas cada vez más bajas llevaron a su cancelación… se le trató de revivir a finales de los 50’s, pero el intento fue un fracaso rotundo, al menos hasta unos años después, en 1964, cuando Stan Lee, quien contribuyó en su tiempo con algunas historias para las primera publicaciones del personaje, decidió «resucitarlo» en las páginas del exitoso cómic de Los Vengadores, creando esta historia de cómo el Capitán había quedado congelado en el mar tras su última misión, regalándole al personaje esa dinámica profunda del hombre fuera de su tiempo en un mundo que siente que no siempre tiene un lugar para él.
Reseña:
Un grupo de científicos en el Ártico encuentran un enorme avión que, en su interior alberga un objeto congelado en el que se alcanzaba a apreciar lo que aparentaba ser el escudo del Capitán América.
El resto de la historia se nos presenta en la forma de un enorme flashback que comienza con el oficial nazi, Johann Schmidt (Hugo Weaving) llegando a una iglesia en Tonsberg, Noruega, donde descifra la localización de un antiguo objeto de poder de la mitología nórdica, el tesseract, mismo que llevará a su asociado, el científico Arnim Zola (Toby Jones.)
Mientras, en Estados Unidos somos testigos del empeño incansable que Steve Rogers (Chris Evans) pone en formar parte del ejército a pesar de su frágil condición física y es que para Rogers es importante pelear por lo que es correcto, a pesar de estar en desventaja o ser visto como alguien débil… en una de tantas discusiones acaloradas al respecto con su mejor amigo, James «Bucky» Barnes (Sebastian Stan), quien si pudo enlistarse, ambos jóvenes son escuchados inadvertidamente por Abraham Erskine (Stanley Tucci), el científico a cargo de la «operación renacimiento» del ejército para crear a un súper soldado… Erskine escucha la pasión de Rogers y decide entrevistarlo, tras lo cuál, usa sus influencias para incorporarlo al programa, lo que el Coronel Chester Phillips (Tommy Lee Jones) no entiende al principio, pues ve el uso de un hombre frágil para este experimento como un desperdicio de potencial.
Finalmente, Rogers dejó de manifiesto que lo que le faltaba físicamente, lo compensaba con creces en voluntad, valor y humanidad, por lo que Erskine se impone y lo somete al experimento, cuyo resultado exitoso es una sorpresa para todos, incluyendo a la oficial Peggy Carter ( Hayley Atwell), a quien le causa una gran impresión el cambio y que, en adición, al ir conociendo más a Rogers, ve cómo, entre ambos, se forma un lazo especial de amor platónico.
Por desgracia, al momento de verse el éxito del experimento, un saboteador infiltrado, trabajando para Schmidt, se revela, haciendo estallar una bomba, matando a tiros a Erskine y robando una muestra del suero del supersoldado, aunque es capturado por Rogers antes de poder huir con el mismo.
A la mezcla se añade Howard Stark, el «mejor ingeniero de la nación» que contribuye como diseñador de equipo, armamento y consultor tecnológico del proyecto de la reserva estratégica de defensa (precursora de S.H.I-E.L.D.), una gran adición al equipo que contribuirá, entre otras cosas, con el escudo indestructible del Capitán.
Ante el fracaso que representa la muerte de Erskine para continuar con el proyecto de crear un ejército de super soldados, Rogers es relegado por el coronel Phillips, lo que es tomado como una oportunidad por el senador Brandt (Michael Brandon) para convertir a Rogers en una especie de mascota del ejército, el «Capitán América», ideado como un personaje patriótico para alentar la compra de bonos de guerra para apoyar monetariamente al ejército, al menos, hasta que Rogers se entera de la desaparición en acción de su amigo Bucky y decide ignorar órdenes e ir a buscarlo.
Mientras tanto, Schmidt aprovecha el poder del tesseract para crear armas espeluznantes y de enorme poder destructivo para ganar la guerra, traicionar a Hitler e iniciar un esquema donde su facción nazi, Hydra, se apodere del mundo por completo, lo que, obviamente, generará un choque entre el propio Schmidt (quien comparte un pasado con Erskine) y Rogers…
Veredicto:
Al final, «Capitán América: El primer vengador» es lo que es, siendo realista, quien entre a una sala de cine esperando ver algo más que un blockbuster comercial de verano, es un ingenuo, pero, ello no demerita en ese mismo contexto a esta película… que, como tal, cumple muy bien las expectativas que levanta, a diferencia de muchos otros blockbusters de este y otros años, que prometen más de lo que pueden cumplir.
Sin embargo, aún en ese limitado contexto, esta producción dista de ser perfecta, pues, resumiendo, si bien Joe Johnston tiene éxito traduciendo al personaje para esta generación de cinéfilos, algunos personajes no terminan de cuajar, ya sea el cliché con pies que es el personaje de Tommy Lee Jones o el villano acartonado y caricaturezco que es Cráneo Rojo… sin embargo, el talento de los actores compensa, al igual que lo bien logrado de la atmósfera y cómo la historia embona y da sentido a las conexiones latentes entre todas las películas de los estudios Marvel.
En palabras de su director, esta cinta no es sobre Estados Unidos, es sobre un hombre que trasciende no por el héroe en el que se convirtió, sino por ser quien siempre fue… siendo un norteamericano notable en una historia internacional, con personajes y locaciones internacionales y, la verdad, a pesar de lo extremadamente patriótico que este personaje ha demostrado ser a lo largo de los años (rayando en lo ridículo), en lo referente a esta cinta, tengo que concordar con su director… pues, a pesar de ser el máximo símbolo patriótico después del tío Sam, esta producción se siente más como un testimonio del coraje del que un hombre puede ser capaz en un universo destinado a estar plagado de superhéroes que como una propaganda patriótica clásica del «american way of life» que siempre resulta tan nauseabunda.
Si son fans del personaje, de las películas de los estudios Marvel o simplemente quieren ver desde ya el primer teaser de Avengers que los espera al finalizar los créditos, no se pierdan esta cinta, pero si esperan algo con demasiada profundiad o cualquier cosa más allá de un blockbuster de verano, quizás deban considerar bajar sus expectativas para poder ver esta cinta, sin frustraciones, o, de lo contrario, tratar de evitarla.
Lazos con las otras cintas Marvel:
- Howard Stark es el padre de Tony Stark (Iron man)
- El tesseract fue mostrado en la escena al final de los créditos de «Thor», en la que Nick Fury explica dónde fue encontrado, descripción que corresponde con la escena en que Schmidt localiza el objeto en esta cinta.
- Toda la simbología en la iglesia donde el tesseract aparece es nórdica y Schmidt, al encontrar el objeto, lo describe como «La joya de la sala de tesoros de Odín», recordando a la escena de la misma sala en «Thor», la sala estaba llena de objetos, salvo en un espacio que, ahora sabemos, pertenece al tesseract.
- En Ironman 2, cuando Tony Stark revisa los apuntes de su padre buscando una cura para su envenenamiento por paladio, pasa por varios esquemas que involucraban un hypercubo, implícitamente basados en el tesseract (uno de verdad, no un cubo), que Howard Stark encuentra al final de esta película.
Curiosidades (*ADVERTENCIA DE SPOILER*):
- Los soldados reclutados por el Capitán América aparecieron en su propio cómic en los 60´s, donde eran guiados por el mismísimo Nick Fury (La historia de Fury en los cómics es complicada, por ello, en las películas, se le removió de períodos históricos muy remotos para un hombre de su edad, para no confundir a la audiencia) en el título «Sgt. Fury & his Howling Commandos», aunque algunos de los soldados en el escuadrón de Cap no son miembros originales de los Howling Commandos, si han aparecido como soldados o héroes en distintos cómics de la empresa.
- Tesseract es realmente el nombre de una figura geométrica, concebida como el equivalente tetra-dimensional de un cubo, por lo que no debería lucir como un cubo ordinario, pero aún así fue retratado como tal en esta película, sin embargo, este cambio de nombre se da porque el objeto en cuestión, en los cómics, es llamado «El Cubo cósmico», un nombre que no habría calzado bien en el cine, ni en la clase y estilo de historia que se buscaba adaptar a la pantalla.
- *SPOILER* La escena de «muerte» del cráneo rojo fue muy similar a las escenas de transportación entre lugares distantes que se dieron en la película «Thor», por lo que es aventurado pensar o decir que este personaje ha muerto realmente.
Trailer:
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Con esto llegamos al fin de un Domingo de Entretenimiento más, esperando que haya sido de su agrado y recordándoles que pueden seguir este espacio por Facebook (en “Esa voz en tu cabeza“) y por Twitter (a través de @ZarexAvatar o revisando el hashtag #EsaVozEnTuCabeza con regularidad) y dejen sus comentarios y opiniones, tanto del contenido actual, como de lo que les gustaría ver, les aseguro que serán leídas con agrado y respondidos a la brevedad.
Gracias por leer.
Fin de la entrada.
Dirige: Michael Bay.
Escribe: Ehren Kruger.
Actúan: Shia LaBeouf, Josh Duhamel, John Turturro, Tyrese Gibson, Rosie Huntington-Whiteley, Patrick Dempsey, Kevin Dunn, Julie White, John Malkovich, Frances McDormand.
Lo mejor: Los efectos especiales, el uso del contexto histórico contemporáneo.
Lo peor: El revoltijo que Bay termina haciendo de las escenas en esta saga y el desperdicio de actores de talla como Turturro y Malkovich.
La impresión: La escena de Sam en el baño de hombres, los cameos.
Calificación: Cinéfila palomera – 3/5; Intelectual: 1/5; Sheldon Cooper 2/5; Infantil: 3/5.
Contexto:
Si bien no es un secreto que Michael Bay es la clase de director que se preocupa más por el aspecto visual y una indiscriminada cantidad de explosiones que por la historia y la profundidad de los personajes de sus cintas, es hasta cierto punto conocido que se propuso hacer algo diferente con esta tercera entrega de la saga Transformers, que, dicho sea de paso, será también su última (o al menos, es lo que el director ha dicho hasta ahora) y es quizás por esa intención manifiesta de hacerlo mejor por lo que quizás, más de uno entró a las salas esperando más de lo que se obtuvo en las dos previas entregas de esta franquicia.
Uno de los puntos irónicos en torno a la promoción de esta cinta radica en el despido de Megan Fox, que a momentos llegó a llamar más la atención durante la campaña publicitaria más que la producción misma, atrayendo declaraciones al respecto de algunos de los más importantes integrantes de la misma, como lo son el mismo Michael Bay y hasta de Shia LaBeouf, que, para quien no sepa, fue despedida a petición del mismísimo Steven Spielberg (productor de esta cinta) al comparar en una entrevista a Michael Bay con Hitler, lo que afectó ligeramente la producción, ya que ciertas escenas ya filmadas con Fox, tuvieron que volver a ser grabadas, ahora, con su reemplazo, el nuevo interés amoroso del personaje de LaBeouf, la modelo británica Rosie Huntington-Whiteley.
Así que, Megan Fox formó tal vez incluso una parte más prominente de la promoción de esta película al salir de ella de lo que hubiera sido al quedarse…
Historia:
Nuevamente nos encontramos con Sam Witwicky (LaBeauf), quien lucha por encontrar un trabajo que refleje la importancia que siente que tiene tras haber salvado al mundo dos veces… pero que, mientras lo hace, vive en casa de su nueva novia, Carly (Hungtington-Whiteley).
Pero mientras Sam lidia con su lucha por obtener un trabajo y superar los celos que el exitoso jefe de su novia, Dylan Gould (Patrick Dempsey) provoca en él, un secreto que data desde los inicios de la carrera espacial entre Estados Unidos y la Unión Soviética en los 60’s se devela y es que, a finales de la guerra entre Autobots y Decepticons en Cybertron (misma que, se especifica, fue ganada por los últimos), el entonces líder de los Autobots, Sentinel Prime, huyó del planeta con un arma tan poderosa que pudo haber cambiado el curso de la guerra, pero su nave fue dañada y nunca más se supo de él o de su arma… sin embargo, su estrellamiento en el lado oscuro de la luna, detectado por científicos en la tierra, fue lo que disparó la ya mencionada carrera espacial de los años 60.
Todo esto, para sorpresa de Optimus Prime y sus Autobots, que se sienten traicionados ante esos secretos, pero deciden ir al rescate de su anterior líder y su arma, sin imaginar que, tras estos descubrimientos actuales, hay todo un complot Decepticon que es tan viejo como la misma carrera espacial y que pretende envolver a los protagonistas con fines oscuros que no pueden imaginar, encabezado por el mismísimo Megatron, quien aún no se recupera del precario estado en el que Optimus lo dejó al final de «La venganza de los caídos.»
Al final, la súper arma, sus capacidades y las intenciones con que puede ser usada serán el centro del conflicto entre Autobots y Decepticons, en otra serie de batallas de proporciones cataclísmicas que superarán con creces a las vistas en las entregas anteriores de esta saga, cerrando, en ese sentido al menos, con broche de oro, la participación de Michael Bay en esta franquicia cinematográfica.
Veredicto:
Uno de los comentarios más chistosos y más ciertos de esta cinta fue el expresado en Twitter por el escritor Jimmy Palmiotti: «Si no pudiste ir a ver transformers en 3D hoy, haz que un amigo te aviente un puñado de legos en la cara y te aviente por las escaleras al mismo tiempo».
Y es que de ahí biene quizás lo que es más triste respecto a esta producción, que, radica, como ya se comentó, en la expresada intención de Michael Bay de hacer una cinta más profunda y basada en el desarrollo de los personajes, pero que, al final, resulta en un inicio lento demasiado explicativo de la vida aburrida de Sam desde la segunda parte para, posteriormente, convertirse en el mismo pastiche de escenas de acción interconectadas llenas de batallas desenfocadas y explosiones.
Sin embargo, uno de los intereses de Michael Bay que si se reflejó mejor en el resultado final fue el de dejar de acudir a mitos, leyendas y mitologías como raíz de la presencia de los transformers y darle un marco histórico más maduro a la presencia de estos personajes en nuestro planeta, usando el contexto histórico para situar la presencia de los transformers a lo largo de la carrera espacial de los 60´s entre Estados Unidos y la Unión Soviética… y usando tantos contextos, lugares y fragmentos de películas de archivo como les fue posible para lograr una atmósfera histórica, uno de los objetivos mejor logrados de la cinta y aún así, tampoco excelente.
He de decir que una de las cosas que me sorprendió fue que la mitad de la sala de cine en donde vi esta película se paró a aplaudir unos segundos cuando esta concluyó… y es que, a fin de cuentas, las críticas abominables de esta película sobran, y aunque ha distado de ser una sorpresa agradable en más de un sentido, la verdad es que no deja de ser la clase de filme que uno debe esperar cuando ve anunciado «Un filme de Michael Bay»
Y es así que se puede recomendar… pues el nombre de su director lo dice todo… siendo una cinta que los amantes de la acción y las explosiones que poco exigentes a la hora de la trama y el manejo de personajes amarán… y si bien la trama y el desarrollo de la historia puede ser difícil de seguir por los más pequeños, los robots que se transforman, las batallas impactantes, la calidad de los efectos especiales y las puntadas humorísticas probarán ser una buena compensación para lo primero… aunque la larga duración de esta cinta (dos horas y media sin contar los trailers previos) inquietará a más de un niño, haciendo que se impacienten antes de que termine e impidiendo al adulto que lo acompañe apreciarla totalmente.
Por otro lado, aunque sobre decirlo, quien busque personajes complejos, tramas elaboradas y una de esas cintas hollywoodenses que tienen un balance entre el valor de su producción y el de su guión… no lo encontrarán en Transformers: el lado oscuro de la luna, así que absténganse a menos que vayan bien programados para ver explosiones, robots extraterrestres disparándose unos a otros y una trama larga y apretujada de escenas de acción…
Trailer:
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Esto es todo por este Domingo de Entretenimiento, espero que haya sido de su agrado. por ahora, me despido, como siempre, recordándoles que pueden seguir este espacio por Facebook (en “Esa voz en tu cabeza“) y por Twitter (a través de @ZarexAvatar o revisando el hashtag #EsaVozEnTuCabeza con regularidad) y dejen sus comentarios y opiniones, tanto del contenido actual, como de lo que les gustaría ver, les aseguro que serán leídas con agrado y respondidos a la brevedad.
Gracias por leer.
Fin de la entrada.
Dirigen: John Lasseter, Brad Lewis.
Escriben: John Lasseter, Brad Lewis, Dan Fogelman.
Actúan (Inglés): Owen Wilson, Larry the Cable Guy, Michael Caine, Emily Mortimer, Jason Isaacs, Thomas Kretschmann.
Actúan (Español): Kuno Becker, César Bono, Blas García, Ana Serradilla, Kate del Castillo, Francisco Colmenero.
Lo mejor: El humor familiar.
Lo peor: Por desgracia, lo peor fue aquello de lo que más quisieron dar… osea, el personaje de Mate..
La impresión: El homenaje a Paul Newman a través de su personaje.
Calificación: Cinéfila palomera – 2/5; Intelectual: 1/5; Sheldon Cooper 0/5; Infantil: 3/5.
Contexto:
Mucho se dijo, por bastante tiempo, que la predecesora de esta cinta es la peor cinta de los estudios Pixar y es que, hay que decirlo, nadie, ni nada, es perfecto, incluyendo a estos estudios llenos de visionarios e innovadores… y aunque estoy de acuerdo con esa opinión de la primera Cars, siempre he defendido que los valores que promueve entre los niños son de los mejores (anteponer a nuestros semejantes por sobre los triunfos personales, sin importar cuánta gloria percibamos en ellos) y es quizás esa calidad en su moraleja y los personajes adorables para los niños aquello que permitió que Pixar, de la mano de John Lasseter, trajera esta secuela que, quizás no es tan efectiva al promover los mismos valores que hacen entrañable a la primera, a pesar de que haya sido la «peor» cinta de Pixar.
Esta segunda parte se centra más en el tema ecológico y en los intereses que hay de por medio a la hora de promover combustibles alternativos, pero lo que hay que reconocer es que su manera de hacer este mensaje a los más pequeños podría no ser tan efectiva…
Historia:
Vemos a un intrépido espía inglés, Finn McMissile, infiltrarse en una misteriosa plataforma petrolera desconocida de la que apenas escapa con información importante.
Mientras tanto, volvemos a ver Rayo McQueen, quien, desde que lo vimos por última vez perdiendo la copa pistón en una muestra de humildad, ha ganado las cuatro siguientes, ahora Rayo regresa a tomar sus vacaciones a Radiador Springs para pasar tiempo con su novia, Sally, y su mejor amigo, Mate, quien no entiende del todo que Rayo a veces necesita su espacio.
Rayo ha aprendido el valor de la humildad y la importancia de los amigos, por lo que no aceptó la invitación a un Grand Prix mundial para promover el uso de un nuevo combustible Alternativo, llamado Allinol, pero su ausencia es utilizada en televisión por el presuntuoso auto Fórmula 1, Francesco Bernoulli, para ridiculizar a McQueen y proclamarse mejor, cosa que no le parece a Mate, quien llama al programa para decirle que Rayo es el auto más veloz, lo que le gana insultos de Francesco, molestando a su vez a Rayo, quien acepta el reto de participar en el Grand Prix ahora que todos sus amigos lo apoyan.
La primera parada es Japón, en donde Finn y la analista de datos convertida en agente, Holley Shiftwell, investigan cómo la misteriosa plataforma se relaciona con un complot que involucra el Grand Prix mundial, para lo que esperan a un contacto norteamericano que, por desgracia, es interceptado por los criminales, poniendo el aparato con la información en un despistado Mate que, desde entonces, es confundido por Finn y Holley por el espía norteamericano que esperaban encontrar.
Rayo, por sugerencia de Sally, aceptó tener a Mate en su equipo, tomando el lugar de Hudson Hornett (quien se insinúa, ha fallecido, al igual que quien le prestara su voz en la primera parte, Paul Newman), lo que, como era de esperarse, sirve para que un error de Mate le costara a Rayo llegar en segundo lugar, perdiendo ante Francesco, quien aprovecha la oportunidad, nuevamente, para ridiculizar a Rayo.
Ante su frustración, Rayo le dice a Mate algunas verdades que duelen sobre su manera de ser, por lo que este, decide regresar a casa, viéndose inmiscuido ya, de lleno, en una aventura de espías sobre el complot que hay en torno al Grand Prix mundial y revelar al líder de los conspiradores, sus fines y la razón detrás de ello.
Veredicto:
Si bien es cierto que, a pesar de sus aspectos rescatables para los niños, Cars era realmente la peor película de los estudios Pixar, eso ya no es verdad, pues esta secuela se ha encargado de superar en eso a su predecesora, siendo una de las pocas películas animadas para toda la familia en estos días que no promueve en su historia un alto valor filosófico… lo cual no necesariamente es malo, pero si la demerita con respecto a su competencia.
Uno debe siempre ser muy cuidadoso al criticar negativamente una cinta infantil, porque es algo que es muy fácil hacer siendo un adulto, pero no por ello muy justo… por lo que no sobra aclarar que la mala crítica a esta cinta se hace a todas luces respetando el contexto del género animado al que pertenece.
Es el problema de cuando se acostumbra al público a un creciente estándar de calidad, con cintas que no sólo enaltecen valores humanos y hacen pensar a la vez que hacen reír o llorar… y no sólo a los niños, sino con una calidad que incluso nos llega a muchos adultos (Mi sobrina y yo pasamos momentos inolvidables envueltos en las emociones que nos generaban cintas como «Wall-e» o «Up» mientras las veíamos) y era inspirador que Pixar elevó esa barra de calidad y puso el ejemplo a la gran parte de su competencia para hacer cintas infantiles que REALMENTE podían ser disfrutadas también por los adultos que acompañaran a los niños a verlas… y es precisamente en ese contexto en el que Cars 2 resulta tan decepcionante, porque es, a fin de cuentas, es una producción pensada e ideada únicamente para los niños que, salvo excepciones afortunadas, a la mayoría de los adultos que los acompañen no agradará nada y sólo sacará dos o tres risas algo forzadas durante su proyección…
Todo en todo, Cars 2 es recomendable para los más pequeños, quienes seguramente la disfrutarán, la amarán y querrán volverla a ver, pero, para los adultos, definitivamente es esa clase de película que no querrán ir a ver con sus hijos, sobre todo si están acostumbrados a la calidad de las producciones previas de Pixar, a comparación de la cuales, esta película es una entera decepción, sobre todo con cintas competidoras que, en ese aspecto, tienen mayor calidad, como, por ejemplo, Kunf-Fu Panda 2.
Trailer:
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Esto es todo por este Domingo de Entretenimiento. Por ahora, me despido, como siempre, recordándoles que pueden seguir este espacio por Facebook (en “Esa voz en tu cabeza“) y por Twitter (a través de @ZarexAvatar o revisando el hashtag #EsaVozEnTuCabeza con regularidad) y dejen sus comentarios y opiniones, tanto del contenido actual, como de lo que les gustaría ver, les aseguro que serán leídas con agrado y respondidos a la brevedad.
Gracias por leer.
Fin de la entrada.
Continuamos con el formato corrido que este espacio ostenta desde ayer, a la vez que cerramos esta serie centrada en el recorrido por la filmografía de este divertido y controversial director, odiado por muchos, desestimado por la mayoría y amado por quienes han convertido sus cintas en fenómenos de culto.
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JAY & SILENT BOB STRIKES BACK
Dirige/Escribe: Kevin Smith.
Producen: Scott Mosier.
Actúan: Jason Mewes, Kevin Smith, Shannon Elizabeth, Will Ferrell, Eliza Dushku, Ali Larter, Jennifer Schwalbach Smith.
Esta cinta es uno de los trabajos más criticados del director, pues sólo es un juego para él, una carta de amor al universo que todas las películas previas a esta construyeron, una broma, si lo prefieren, a fin de cuentas, en parte, esa es la virtud de esta producción, su completa honestidad con su humor simple y falta de complejidad. Así pues, por la pantalla desfilarán prácticamente todos los actores que han sido parte de sus cintas anteriores, algunos de ellos repitiendo más de uno de los personajes que previamente interpretaron, en esta producción, que es el núcleo que conecta a las anteriores…
De esta manera es que ahora, la historia se centra, como el nombre de la película lo indica, en los personajes secundarios de las anteriores, Jay y Silent Bob, el par de vendedores de hierba medio tontos e irresponsables favoritos de muchos.
Para quien haya visto la película «Mallrats», quizás recordará que [SPOILER ALERT]En el epílogo que se refería a Jay y Bob, se mencionaba que tendrían una aventura en la carretera con una orangután llamada «Suzanne»[/SPOILER ALERT], pues bueno, esta película aborda esa historia.
Jay (Jason Mewes) y Bob (Kevin Smith) viven su vida tranquila afuera de la tienda y el videoclub donde Dante (Brian O’Halloran) y Randal (Jeff Anderson) trabajan (Los protagonistas de «Clerks»), hasta que un día, por su naturaleza burlona, terminan por enfurecer a Randal, quien obtiene una orden de restricción para que Jay y Bob no puedan acercarse a sus negocios…
Devastados, van a ahogar sus penas en la tienda de comics de Brodie (Jason Lee, co-protagonista de Mallrats), en donde aprenden que se hará una película de Bluntman y Chronic (Los personajes de comics basados en Jay y Bob que realizaban los protagonistas de «Chasing Amy» y por los que a Jay y Bob les pagaban regalías), Brodie se da cuenta de que los despistados Jay y Bob no sabían de esto y entre burlas, les dice que deberían ir a ver a Holden (Ben Affleck, protagonista de «Chasing Amy»), para que les de la parte que les toca en regalías por la cinta.
Jay y Bob llegan con Holden, quien les dice que, por desgracia, tras los sucesos de «Chasing Amy», le vendió los derechos de los personajes a su socio, Banky (Co-Protagonista de «Chasing Amy», también interpretado por Jason Lee), pero les hace notar que, en Internet, la cinta está siendo destrozada por los cinéfilos, que hacen burla de Jay y Bob, quienes no pueden evitar tomarlo personal y, en lugar de buscar regalías, deciden ir y parar a toda costa la producción de la película.
Así comienza el viaje de estos dos atarantados y divertidos personajes a Hollywood, que estará adornado por un sinfín de cameos de actores y personajes de las pasadas películas de Smith (si, muchísimos más), a la vez que se encuentran con tres aguerridas y agresivas activistas por los derechos animales que parecen ser más que eso y amenazan con meter en problemas a este dúo cuando Jay se enamora de una de ellas…
Esta película pretendía cerrar el «Viewaskew universe», como se le llamó al universo de las películas de Smith que se desarrollan dentro del mundo de Jay y Silent Bob… sin embargo, una cinta más se haría en el futuro, que en esta misma entrada veremos… (y lástima, porque al final de los créditos de esta cinta, la mismísima Alanis Morrissete, quien interpretara a Dios en «Dogma» se encargaba de cerrar el libro de este universo.)
Jay & Silent Bob Strikes Back es una comedia disparatada, diseñada para gustar sólo a los fans de este tipo de producciones… y claro, a todo aquel que haya gustado de la filmografía de Smith hasta este punto…
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JERSEY GIRL
Dirige/Escribe: Kevin Smith.
Producen: Scott Mosier, Bob Weinstein, Harvey Weinstein.
Actúan: Ben Affleck, Liv Tyler, Raquel Castro, George Carlin, Jason Biggs, Jennifer Lopez, Will Smith.
Esta es la primera película que dirige Smith y que no es parte del «Viewaskewniverse» y que además se distingue por rescatar el estilo del director, pero a la vez, como un esfuerzo de hacer ese mismo sello y estilo un poco más familiar y menos exclusivo para audiencias adultas… además, es una cinta más personal para Smith, sobre ser padre… y ser un hijo.
La historia se centra en Oliver «Ollie» Trinké (Ben Affleck), un influyente publicista de Nueva York que llevaba una vida de ensueño hasta la trágica muerte de su esposa, Gertrude (Jennifer López), al dar a luz a su pequeña hija, Gertie.
La manera en la que Ollie sobrelleva su dolor es obsesionándose con su trabajo y alienando a su hija, dejándola virtualmente todo el tiempo al cuidado de su padre, Bart (George Carlin), hasta que este, cansado del duelo poco saludable de su hijo, le exige que se haga cargo de su pequeña al menos por un día, uno que, desafortunadamente para Ollie, sería clave y que, gracias a la tensión adicional… lo llevó a cometer un error garrafal en perjuicio de un cliente que representaba, criticándolo frente a la prensa y, por ello, perdiendo su trabajo y el poder e influencia del que gracias a él gozaba…
Vetado por todas las agencias de publicidad, Ollie se vio obligado a convertirse en trabajador público de su localidad, al igual que su padre, con quien ahora vive y ahora, varios años después, parece vivir una vida más simple y tranquila con Bart y Gertie (Raquel Castro), quien convence a Ollie de alquilar películas cada cierto tiempo, donde se encuentran con la cajera, Maya (Liv Tyler), quien le toma cierto aprecio a Ollie y de una forma poco ortodoxa, terminan volviéndose muy amigos.
Durante una reunión vecinal en la que los ciudadanos de la localidad se mostraban inconformes ante una obra necesaria sobre una de las calles principales del vecindario, Ollie usó su encanto de publicista para convencerlos de que, a la larga, la obra les convendría… y con esto, Ollie recuperó su añoranza por su viejo trabajo, logrando que su antiguo protegido, Arthur (Jason Biggs), le consiguiera una prometedora entrevista para, con suerte, recuperar su tan anhelado antiguo empleo.
Esta posibilidad crea una tensión creciente entre Ollie, Bart, Maya y Gertie, que les explota en la cara, haciéndoles ver lo especiales que son los unos para los otros y poniendo a Ollie en la encrucijada de decidir en dónde radica la verdadera felicidad y en cómo ser fiel a la verdadera naturaleza de ser un padre dedicado y amoroso…
Jersey Girl es la clase de película que, basados en sus anteriores trabajos, raramente podríamos haber pensado que se le daba bien y, a pesar de haber sido masacrada por la crítica, la verdad, en mi opinión, fue una producción muy bien elaborada…
Destacan las actuaciones de la pequeña Raquel Castro y del veterano George Carlin, totalmente disfrutables y, aunque no destacó, Ben Affleck hace un papel decoroso.
Regresan los diálogos profundos, complejos, pero reales, naturales y algo maduros que distinguen a los trabajos más serios de Smith… sin embargo, tanto por su naturaleza familiar, como por el tono relativamente moderado de dichos diálogos, yo diría que este es el trabajo menos soez de este director y uno que, si te gustan las cintas familiares, las comedias románticas o las cintas más serias de Smith, sin duda no debes dejar pasar, sobre todo, si la ves con tus hijos, (aunque, si son muy pequeños, quizás tengas que explicarles un par de cosas sobre la charla adulta, pero nada pero de lo que se pueda ver en «Los Simpsons» al menos =P).
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CLERKS II
Dirige/Escribe: Kevin Smith.
Producen: Scott Mosier.
Actúan: Brian O’Halloran, Jeff Anderson, Rosario Dawson, Trevor Fehrman, Jennifer Schwalbach Smith, Jason Mewes.
A doce años del lanzamiento de su ópera prima, Clerks (y tras un intento fallido de llevarla a la televisión como una serie animada que sólo durara seis episodios), Smith rompe su promesa, para beneplácito de sus admiradores y nos entrega una historia más que toma lugar en el «Viewaskewniverse», la esperada secuela de su primera cinta, Clerks II.
Si bien «Clerks» era un llamado contra el conformismo que inadvertidamente llamaba a la reflexión sobre el tema, lo que «Clerks II» nos entrega es más bien una historia sobre aquellas personas que se sienten «dejadas atrás» por el ajetreado paso de la generación a la que pertenecen, siendo esa la manera en que nos enteramos de que, a pesar de sus optimistas planes e intenciones, tanto Dante (Brian O’Halloran), como Randal (Jeff Anderson) no llegaron muy lejos en los estudios universitarios que se propusieron cursar al final de Clerks, regresando eventualmente a su trabajo respectivo en la tienda y el videoclub.
Sin embargo, la personalidad desobligada de Randal lo lleva a dejar encendida la cafetera toda una noche, propiciando un incendio que acabó tanto con la tienda como con el videoclub, haciendo a ambos perder el trabajo en el que se sentían encasillados y atrapados, pero sin dejarles una mejor opción, llevándolos a trabajar en un restaurante de hamburguesas de la ficticia cadena Moobys (presentada en las cintas «Dogma» y en «Jay & Silent Bob Strikes Back»).
Hay elementos de Clerks que se rescatan en esta cinta, como a Dante involucrado en un triángulo amoroso entre su prometida, Emma (Jennifer Schwalbach Smith, esposa del director) y su jefa, Becky (Rosario Dawson), lo que es particularmente problemático para nuestro protagonista, pues Emma planea que, tras la boda, ambos se muden a California, donde Dante dirigirá uno de los negocios de su suegro, dejando su estilo de vida mediocre, pero forzándolo a despedirse de sus amigos y a una vida en la que Emma, quien lo ama sinceramente, podría terminar tomando todas las decisiones por él…
A la ecuación, como siempre, se introducen Jay (Jayson Mewes) y Silent Bob (Kevin Smith), quienes ahora, ante la imposibilidad de vagar afuera de la tienda de Dante, lo hacen afuera del Moobys… y, entre estos dos y Randal, se burlan y hacen constantes bromas del empleado más joven del restaurante, Elias (Trevor Fehrman), un muchacho cristiano, demasiado inovente, ingenuo y decente que se la pasa escandalizado por las bromas pasadas de tono de las que es objeto, pero reconfortado por la amistad que siente que tiene con Randal, quien sólo lo ridiculiza.
El escenario está puesto y una inesperada revelación pondrá el mundo de Dante de cabeza, llevándolo a tomar decisiones difíciles sobre su futuro y sobre el verdadero amor en medio de la más bizarra fiesta de despedida imaginable, organizada por Randal, que hará terminar a varios personajes en la cárcel donde, por necesidad, terminarán discutiendo esos mismos temas, llevando a Dante a la verdadera respuesta no sólo a su dilema romántico, sino a todo su futuro, de modos que no podría haber previsto.
Esta cinta rescata, nuevamente, el factor nostálgico de los trabajos de Smith en el conocido universo de sus más famosos personajes, además de, nuevamente, presentarnos una historia humana, con personajes tan disparatados y disfuncionales, como palpables y factibles dados sus sentimientos y la manera en que los expresan, siendo una recomendación ideal para los fanáticos de las comedias románticas que no sean demasiado cursis, ni ñoñas y, más que nada, para los fanáticos de Smith y su universo fílmico.
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ZACK & MIRI MAKE A PORNO.
Dirige/Escribe: Kevin Smith.
Producen: Scott Mosier.
Protagonizan: Seth Rogen, Elizabeth Banks.
En esta segunda cinta de Smith que toma lugar fuera del «Viewaskewniverse», el director nos ofrece un ejemplo más de una comedia romántica que dista de ser aquella a la que llevarías a ver a tu novia o esposa (a menos que fuera fanática del humor desfachatado, francamente soez y hasta escatológico). Y por ello es que, a pesar de poder parecer demasiado fuerte, aún para algunos de los fanáticos más moderados de Smith, en realidad, es muy buena, dentro de ese mismo estilo.
La historia se centra en Zack (Seth Rogen) y Miri (Elizabeth Banks), un par de compañeros de departamento, amigos desde secundaria que representan el estereotipo del fracasado pues, a duras penas pueden pagar su renta y sus cuentas y, a decir verdad, es raro que puedan pagar todo eso a la vez…
La respuesta a sus predicamentos económicos llega durante la reunión de ex alumnos de su secundaria, en donde Miri planeaba seducir al mariscal de campo del equipo de Football, Bobby Long (Brandon Routh) para «vengarse» por las burlas de las que fue objeto por parte del mismo en aquellos años, mientras, a la vez, Zack conocía a Brandon St. Randy (Justin Long), un invitado a la fiesta que, le confiesa a Zack, se dedica a protagonizar películas pornográficas para homosexuales y, para sorpresa de Zack, resultaba ser el novio de Bobby Long.
La fiesta resultó algo humillante para Miri debido a la verdadera orientación sexual de Bobby, a quien habría intentado seducir en vano… pero la charla con Brandon le dio a Zack la idea de producir una cinta pornográfica amateur para pagar las muchas deudas que el y Miri tenían.
Así es como Zack convence a su amigo del trabajo, Delaney (Craig Robinson) de actuar como productor, prestándole el dinero que planeaba usar para comprar una T.V. de pantalla plana durante el «Viernes negro» de ofertas para producir la película.
Tras una serie de divertidos castings, se arma un reparto bastante simpático con el que Zack planeaba filmar una parodia pornográfica de «Star wars», pero una serie desafortunada de circunstancias echa a perder la bodega donde estaba el set y todo el vestuario y equipo de filmación, por lo que, frustrado, pensaba rendirse, hasta que se le ocurre la idea de filmar en su propio lugar de trabajo (una cafetería) y usar la cámara de vigilancia de su jefe para hacerlo.
Así, Zack escribirá un nuevo guión y la filmación tomará lugar, creando vínculos de amistad fuertes en todos los involucrados y llevando a Zack y a Miri a cuestionarse los verdaderos sentimientos que tienen el uno por el otro, no sin antes, como es comprensible cuando se filma una película pornográfica, pasar por serios malentendidos y escenas descaradas de sexo, sin mencionar, la escena más escatológica en toda la filmografía de Smith.
Esta cinta tiene el sello de su director, comedia adulta, diálogos profundos, elaborados, pero relajados y realistas, escenas de sexo, pero, como trasfondo y contrapeso, una verdadera historia de amor puro, honesto y basado en sentimientos más que en el sexo.
Si admiras el trabajo de Smith, esta cinta es para ti, pero, sin embargo, si el humor escatológico demasiado gráfico y de tintes sexuales es ya demasiado para tu gusto, quizás quieras mantener el control remoto de tu DVD o Bluray al alcance para adelantar una escena que dura unos cuantos segundos, pero podría impactarte un poco…
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Más tarde este año se estrenará el primer trabajo escrito y dirigido por Smith que se aleja de su zona de comfort, el humor, para adentrarse en un terreno que ha explorado relativamente bien al escribir historietas, pero de una manera mucho más oscura, el horror… todo esto en su nueva película, «Red State», que llevará demasiado lejos los prejuicios de los fundamentalistas religiosos…
Eso es todo por ahora y, antes de que me recriminen que no incluí «Cop Out» en la filmografía de Smith, estoy conciente de ello y se debe a que quise centrarme en las películas que Smith, además de dirigir, también escribió… espero que aún así disfrutaran esta serie de entradas y que, si no han visto estas cintas, estén dispuestos a darles una oportunidad, no se arrepentirán. Me despido, como siempre, que pueden seguir este espacio por Facebook (en “Esa voz en tu cabeza“) y por Twitter (a través de @ZarexAvatar o revisando el hashtag #EsaVozEnTuCabeza con regularidad) y dejen sus comentarios y opiniones, tanto del contenido actual, como de lo que les gustaría ver, les aseguro que serán leídas con agrado y respondidos a la brevedad.
Gracias por leer.
Fin de la entrada.
Dirige: Jennifer Yuh Nelson.
Escriben: Jonathan Aibel, Glenn Berger.
Protagonizan (Inglés): Jack Black, Angelina Jolie, Dustin Hoffman, Gary Oldman.
Protagonizan (Español): Omar Chaparro, Pedro Armendariz.
Lo mejor: El humor, los mensajes de la historia.
Lo peor: Como siempre, la sobreactuación de Po el panda, pero nada que afecte demasiado a la cinta.
La bomba: La escena final.
Calificación: Cinéfila palomera – 3/5; Intelectual: 3/5; Sheldon Cooper 2/5; Infantil: 5/5.
Contexto:
Desgraciadamente por esta cinta en México se tuvo que esperar tres semanas tras la fecha de estreno en Estados Unidos (26 de Mayo), pero este fin de semana finalmente se estrena en las salas de cine mexicanas esta producción, ampliamente recomendable para niños y familias.
Lo natural al ver el título de una película, virtualmente de cualquier clase, ser seguido por el fatídico número «2» (o superiores) es mostrarse reacio a verla si lo que se busca es calidad, siendo la realización de secuelas una respuesta comercial a la demanda de un mercado y no la representación de una historia personal y con corazón que se quiera llevar a un público por el simple amor al arte de crear… pero si bien las razones por las que se concibió esta secuela pueden ser comerciales, creo que no por ello deja de representar la segunda opción, pues se cuenta entre el selecto grupo de cintas que, con creces, sobrepasa a su predecesora…
Historia:
Hace años, cuando los reyes de la ciudad de Gongmen, en China, trajeron a su reino el precioso regalo de los fuegos artificiales, fue su propio hijo, Lord Shen, quien vio en esas hermosas luces el potencial de la guerra y la conquista, decepcionando a sus padres y ganando por parte de una adivina la profecía de que algún día sería vencido por un gran guerrero, de blanco y de negro… esto llevó a Shen a terribles acciones que no dejaron a sus padres más remedio que desterrarlo, no sin antes prometerles que algún día regresaría para vengarse, reclamando todo aquello que considera es suyo… y todo lo demás.
En el presente Po vive su sueño, combatiendo al mal con sus amigos, los cinco furiosos y siguiendo su entrenamiento con el maestro Shifu, sin embargo, en un enfrentamiento con una banda de lobos ladrones, Po ve un símbolo que empieza a despertarle perturbadores flashbacks reprimidos que podrían ser la clave de su verdadero origen… y por si esto fuera poco, podría relacionarse con el funesto regreso del fiero Lord Shen, a quien parece poder atribuirse la muerte de un gran maestro del Kung Fu, protector de la ciudad de Gongmen… ahora, Po y los cinco furiosos deberán viajar a la ciudad y averiguar qué arma posee Shen que es tan poderosa como para acabar con el Kung Fu mismo… y valerse de este último, para buscar la manera de vencerla, mientras Po trata de acercarse a la paz espiritual a la vez que una verdad perturbadora sobre su pasado se asoma cada vez con mayor fuerza en su vida…
Veredicto:
Un servidor se mostró escéptico cuando escuchó de diversas fuentes que Kung Fu Panda 2 bien podría ser la mejor producción de los estudios Dreamworks hasta ahora… pero tras tener la oportunidad de verla, no cabe duda de que así es…
Por medio de la filosofía oriental, esta cinta es un práctico ejemplo de cómo, a través de la meditación, la superación de los apegos al pasado o los deseos de venganza, todos podemos encontrar un significado en el mundo… a pesar de no ser animales animados por computadora en medio de batallas de Kung Fu… esta cinta va, a través de su trama y desarrollo al núcleo de su personaje principal, haciéndolo responderse preguntas importantes de la vida (¿Quién soy? ¿Por qué estoy aquí? ¿Me define mi pasado?) de una manera simple, pero a la vez profunda y una que, aún en el mundo real, puede funcionar…
Toda esta serie de mensajes filosóficos positivos y enriquecedores se entremezclan con una historia más compleja y oscura que la de la primera cinta de esta saga, dan como resultado una producción que sorprende para bien y eleva la barra para una tercera parte que su escena final parece anunciar con anticipación.
Si eres fanático de las películas animadas y eres de los que piensa que es difícil encontrarse algo bueno fuera de las producciones de Pixar, tienes razón… pero sin duda, Kung Fu Panda 2 es una de esas excepciones que te dejará gratamente sorprendido.
Además, si acostumbras ir al cine con tu familia, tus hijos u otros parientes pequeños, Kung Fu Panda es, como los mismos pandas, una especie en peligro, una película que, además de buscar divertir y hacer reír a los más pequeños, lo hace enriqueciendo, promoviendo mensajes e ideas que, con la guía correcta, pueden influenciar y ayudar a moldear la mente de los niños que la vean… aportando un valioso granito de arena a esta generación de pequeños, pero de una manera que, a diferencia de cómo las cintas infantiles holywoodenses acostumbran, es realmente efectiva y funcional.
Sin duda alguna, Kung Fu Panda 2, es la clase de película que, en estos días NECESITAMOS que nuestros niños no sólo vean, sino que entiendan… así que, sin importar del lado del espectro cinéfilo que te encuentres… no dejes de verla y si puedes, lleva niños contigo… déjalos disfrutar los chistes, pero no dejes de ayudarlos a entender lo importante.
Trailer:
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Esto es todo por este Domingo de Entretenimiento, espero que hayan disfrutado esta entrada y que vayan a ver la película… por ahora, me despido, como siempre, recordándoles que pueden seguir este espacio por Facebook (en “Esa voz en tu cabeza“) y por Twitter (a través de @ZarexAvatar o revisando el hashtag #EsaVozEnTuCabeza con regularidad) y dejen sus comentarios y opiniones, tanto del contenido actual, como de lo que les gustaría ver, les aseguro que serán leídas con agrado y respondidos a la brevedad.
Gracias por leer.
Fin de la entrada.
Dirige: Michael Vaugh.
Escriben: Sheldon Turner, Bryan Singer.
Actúan: James McAvoy, Michael Fassbender, Rose Byrne, January Jones, Jennifer Lawrence, Oliver Platt, Kevin Bacon.
Lo mejor: Las actuaciones y los efectos.
Lo peor: Faltó desarrollo hacia el final de la historia con respecto a los personajes.
Lo estimulante: Los cameos por algunos «viejos» conocidos de la saga.
Calificación: Cinéfila palomera – 3/5; Intelectual: 2/5; Comiquera relajada: 3/5; Comiquera Sheldon Cooper 1/5; Marvel Zombie: 5/5.
Llega la quinta entrega en la saga fílmica de los Hombres X, esta vez de la mano del director Michael Vaugh, quien a pesar de no regresar totalmente a la saga al esplendor del que gozara en sus dos primeras entregas de la mano de Bryan Singer (A pesar de contar con este colaborando en la elaboración del guión), definitivamente si le devuelve algo del brillo que le robara el trabajo menos dedicado de directores como Brett Ratner (X-Men 3: La batalla final) y Gavin Hood (X-Men Orígenes: Wolverine; a quien, en justicia, el estudio le ató un poco las manos).
Quizás algunos de ustedes recuerden cómo la 20th Century Fox anunció sus planes de mantener viva esta saga fílmica a través de precuelas sobre los los orígenes de los personajes (entre las cuales, llegaron a sonar más fuertes para realizarse la de Storm, Magneto y Wolverine, realizándose bajo este esquema sólo esta última), a pesar de que el director Michael Vaugh lo ha negado, en su momento los planes para un filme de Magneto incluían la persecución por parte de este personaje hacia el nazi responsable de la muerte de sus padres, así que, voluntaria o involuntariamente, parte de la historia pensada para la nunca realizada «X-Men Origins: Magneto», sobrevivió en X-Men: First Class.
Por lo antes dicho, puede ser mencionado que elementos de las anteriores entregas sobreviven también en esta cinta, especialmente aquella escena inicial de la primera película, que describía cómo un joven Magneto era arrancado de los brazos de sus padres por soldados nazis en un campo de concentración, lo que nos sirve para explicar cómo Magneto atrajo la atención del Doctor Schmidt (Kevin Bacon), un nazi obsesionado con desencadenar el poder de Magneto para así descubrir el potencial del gen mutante y usarlo para sus fines, lográndolo sólo al trascender los límites de la crueldad humana, generando en el joven un deseo sin límites de venganza.
Al mismo tiempo Xavier, un niño, descubría a una también infantil Mystique en su cocina, tratando de robar algo de comida, disfrazada de su madre, pero, lejos de molestarse, el joven Xavier estaba encantado de encontrarse con alguien que, como él mismo, fuera diferente, por lo que decidió desde ese momento, adoptar a la joven como parte de su familia.
Los años pasan y ahora nos encontramos con un Xavier joven (James McAvoy), pero adulto, que se encuentra graduándose de Oxford y entregando su tésis sobre mutaciones, a la vez que, por su parte, Magneto (Michael Fassbender) ha pasado su toda su vida adulta utilizando el potencial de su poder que Schmidt lograra despertar en él para cazar a este último y a cuanto oficial alemán retirado pudiera encontrar.
Por su parte, descubrimos a través de la agente de la C.I.A., Moira MacTaggert (Rose Byrne) que Schmidt no sólo sigue vivo, sino que ahora, bajo el alias de Sebastian Shaw, además logró descubrir el potencial del gen mutante y activar su propia mutación, y, por si fuera poco, ahora dirige su propia organización, el Hellfire club, que, por sus propios y oscuros motivos, busca escalar un conflicto bélico entre Rusia y los Estados Unidos.
MacTaggert atestigua en su investigación cómo algunos de los secuaces de Shaw usan sus poderes y es tachada de loca por sus jefes cuando trata de explicárselos, por lo que la joven agente acude a Xavier para obtener su asesoría con respecto a mutaciones, lo que lleva a Xavier y a Mystique a revelar sus poderes ante la C.I.A, generando reacciones encontradas pero, en última instancia, formando parte de una nueva división de la agencia, especializada en el uso de seres con habilidades sobrehumanas, en donde conocen a Hank McCoy (Nicholas Hoult), un joven y brillante científico de la división, obsesionado por la deformidad que su mutación le provoca en los pies y dispuesto a hacer todo por erradicarla, además, responsable de un dispositivo capaz de aumentar el poder de Xavier, permitiéndole localizar a otros mutantes, el aparato llamado «Cerebro», con el cual, Xavier y Magneto localizarán a un grupo de mutantes que buscarán reclutar para hacerle frente a Shaw y a su poderoso Hellfire Club.
X-Men: Primera Generación es una buena película, que usa de manera astuta su marco histórico (Pues se desarrolla en 1962, tomando como escenario la crisis cubana de misiles ocurrida entre Rusia y Estados Unidos) en la forma de la guerra potencial que nuestros héroes deben detener, sin embargo, a más de uno le puede resultar un tanto «pesada» argumentalmente para un filme de súper héroes, pero no por ello mala… los efectos de esta cinta son bastante buenos y las actuaciones le ayudan bastante, específicamente las de Fassbender y McAvoy, pero, si de un pecado se le puede acusar, es de cómo el desarrollo de la trama se va debilitando hacia el final de la cinta, ofreciéndonos un conflicto final muy apretujado para el tiempo que ocupa en pantalla y personajes a los que también les faltó más tiempo para desarrollarse pues, los últimos saltos y giros de tuerca que los llevan a convertirse en quien se supone que serán en el futuro, se presentan también de una manera muy abrupta y a momentos, poco convincente, dejando la impresión de que, en el mejor de los casos, hay mucha falta de consistencia en el carácter de varios de ellos.
Otro detalle que a muchos no les gustará radica en las libertades que esta cinta se toma con respecto a la continuidad de algunos personajes, pues es raro ver a Havok, un personaje que originalmente es el hermano menor de Cyclops, presentado en una trama durante los 60’s, fuera de eso, la continuidad es consistente con el resto de las cintas, excepto por presentar a Emma Frost, quien ya había sido presentada en X-Men Origins: Wolverine, como la hermana menor de Sylverfox.
Sin embargo, con todo eso en mente, esta producción será totalmente disfrutable, especialmente para aquellos a quienes ha gustado hasta ahora la saga, especialmente antes de que Bryan Singer dejara de estar involucrado en ella; sin embargo, aquellos que gustan de los cómics y no son quisquillosos con la continuidad, también podrían tomarle gusto a esta película, sobre todo porque trata de salirse de los convencionalismos y, sin ser demasiado pretenciosa, se toma en serio su labor de contar una historia sin burlarse del intelecto del espectador; pero cabe aclarar, si eres quisquilloso como Sheldon Cooper o como el tipo de las historietas de los Simpsons, mejor aléjate de esta producción (advertencia que le haría también a los intelectualoides del cine, pero que no es necesario porque si ya de por sí es raro que vean cintas de estudios grandes, más lo es que vean adaptaciones de los cómics a la pantalla grande.)
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Con esto llegamos al fin de un Domingo de Entretenimiento más, esperando que haya sido de su agrado y recordándoles que pueden seguir este espacio por Facebook (en “Esa voz en tu cabeza“) y por Twitter (a través de @ZarexAvatar o revisando el hashtag #EsaVozEnTuCabeza con regularidad) y dejen sus comentarios y opiniones, tanto del contenido actual, como de lo que les gustaría ver, les aseguro que serán leídas con agrado y respondidos a la brevedad.
Gracias por leer.
Fin de la entrada.
Continuamos con las películas de este divertido, profundo, pero también controvertido director que amalgama de una manera singular los temas adultos con un humor de lo más inmaduro, Kevin Smith.
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CHASING AMY
Dirige/Escribe: Kevín Smith
Produce: Scott Mosier.
Actúan: Ben Affleck, Joey Lauren Adams, Jason Lee, Dwight Ewell, Jason Mewes, Kevin Smith
Esta cinta representa el regreso de Kevin Smith a la realización de filmes más sofisticados, claro, con su humor representativo, pero abordando temáticas más adultas y de una manera más elegante…
Sin embargo, se mantienen los, hasta ahora, dos factores determinantes en la fórmula de Smith, un protagonista sobrio con un entrañable amigo extrovertido y disfuncional, además de la presencia de los cada vez más populares, Jay y Silent Bob.
Chasing Amy es la historia de Holden McNeil (Affleck) y Banky Edwards (Lee), quienes, respecticamente, dibujan y escriben de manera independiente su propio comic, «Bluntman y Chronic», que sigue las andanzas de dichos personajes (quienes están inspirados nada más ni nada menos que en Jay y Silent Bob, a quienes Holden y Banky les pagan por el uso de su imagen).
Sin embargo, la historia principal se da cuando Holden conoce a Alyssa Jones (Joey Lauren Adams) en una convención de comics en la que él y Banky promocionaban a Bluntman y Chronic.
A Holden le gusta de inmediato Alyssa, sin embargo, no tarda mucho en descubrir que la joven es lesbiana, pero ello no impide que ambos empiecen a salir juntos y a desarrollar una rara amistad, que, dicho sea de paso, no le cae del todo bien a Banky, quien es algo homofóbico.
Poco tiempo pasa para que Holden, agobiado por sus sentimientos, le confiese a Alyssa que siente «algo más» que amistad, generando en la joven, primero, una reacción iracunda, pero, posteriormente, haciéndola darse cuenta de que sus sentimientos por Holden bien podrían superar su preferencia sexual, por lo que accede a iniciar una relación con él.
La película crece a partir de este punto en diferentes direcciones, jugando el mayor papel en el desenlace la homofobia de Banky y la confusión de Holden, sin mencionar la aparición de Jay y Silent Bob, saliendo de este último la mejor perla de sabiduría de esta cinta, haciendo meditar sobre cómo la obsesión con el pasado de nuestras parejas puede llevarnos (sabiéndolo o no) a sabotear nuestras relaciones y a lamentarlo después.
Chasing Amy es una película bizarra, como todo lo de Smith, con grandes y profundos diálogos, situaciones inverosímiles, pero no imposibles y un final tan maduro como melancólico, que recurre más a reflejar cómo es la vida y cómo los seres humanos la abordamos o la manejamos, que a un ideal de lo que quisíeramos que fuera.
Si te gusta el cine sofisticado e inteligente y además AMAS la cultura pop (o si eres fan de los anteriores trabajos de Smith) esta cinta definitivamente es para ti y no debes dejarla pasar.
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DOGMA
Dirige/Escribe: Kevin Smith.
Producen: Scott Mosier, Kevin Smith.
Actúan: Ben Affleck, George Carlin, Matt Damon, Linda Fiorentino, Salma Hayek, Jason Lee, Jason Mewes, Kevin Smith, Alan Rickman, Chris Rock
Esta cinta, por un lado, marca el regreso de Smith a un cine más orientado al humor, pero no se dejen engañar, Dogma es, en parte, un testimonio de cómo Smith percibe al manejo religioso de la iglesia Católica (Smith es católico), pero además, Dogma lo saca un poco de su zona de comfort, haciendo de esta la primera de sus cintas que no recurre a la fórmula de una pareja de protagonistas disfuncionales.
Dogma es, en primera instancia, la historia de Bethani Sloane (Linda Fiorentino), una mujer que labora en una clínica de abortos en Illinois, quien hace tiempo que perdió la fe en Dios debido a una crisis personal que involucró un aborto, un divorcio y su pérdida de la capacidad de volver a embarazarse.
Pero antes de llegar a Bethany, la película nos presenta a dos ángeles caídos que quieren volver a ganar el favor de Dios, Bartleby (Affleck) y Loki (Damon), quienes pretenden utilizar una «indulgencia plenaria» (un indulto a los pecados que maneja la iglesia católica), promovido por una pequeña iglesia de New Jersey que celebraba su aniversario con una peculiar y simpática campaña llamada «Catolicismo WOW» (el origen del popular Buddy Christ).
Lo que estos ángeles desconocen es que si logran llegar a tiempo para recibir la indulgencia de la iglesia, por ello, borrando los pecados por los que Dios los desterró a la tierra, probarían a Dios en un error, amenazando a toda la existencia, es por ello que, Metatron (Alan Richman), el serafín conocido por ser la voz de Dios, elige a Bethani para la misión de detener a estos ángeles, pues, para variar, Dios ha desaparecido y nadie sabe en dónde está.
Pero Bethani no estará sola, Metatron le dice que dos profetas aparecerán en su camino y la ayudarán en su cruzada, estos resultan ser nada menos que, claro, Jay y Silent Bob… durante su viaje, Bethani y la pareja disparatada de Jay y Bob se encontrarán con el demonio Azrael (Jason Lee), con sus propios intereses en hacer que los ángeles caídos tengan éxito, además de que conocerán a Ruffus (Chris Rock), el tercer apóstol, dejado fuera de la biblia por motivos raciales (si, por ser de color) y a Serendipity (Salma Hayek), una musa con bloqueo de escritor.
Los personajes se dirigen en curso de colisión a un encuentro cataclísmico en el que se decidirá cuales de sus voluntades son más fuertes y las fuerzas primarias que han dirigido sus vidas hasta ese punto, con un final que no ofrece gran trascendencia, pero que si deja con un muy buen sabor de boca.
Dogma es una película que, dentro del humor relajado de muchos de los personajes en ella, encierra una inteligente crítica religiosa sobre la manera en que la religión es manejada a conveniencia de las instituciones que la representan, creando reglas dispares con los textos sagrados que se supone deberían promover…
Si te han gustado los trabajos previos de Smith y eres en cuanto a la religión, de mente abierta, Dogma es una cinta obligada para ti.
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De nueva cuenta el tiempo se ha agotado y, en una tercera parte, seguiremos el recorrido por las cintas de este peculiar director, me despido no sin antes, como siempre, recordarles que pueden seguir este espacio por Facebook (en “Esa voz en tu cabeza“) y por Twitter (a través de @ZarexAvatar o revisando el hashtag #EsaVozEnTuCabeza con regularidad) y dejen sus comentarios y opiniones, tanto del contenido actual, como de lo que les gustaría ver, les aseguro que serán leídas con agrado y respondidos a la brevedad.
Gracias por leer.
Fin de la entrada.
Este Domingo de entretenimiento, en lugar de sólo recomendarles algunas cintas, vamos a presentarles una breve aproximación a la filmografía de un director que hace pensar con diálogos inteligentes, mientras hace reír con las bromas más soeces, me refiero al director, actor y escritor de cine y cómics, Kevin Smith.
Smith es un cineasta controversial en algunos sentidos, pero el vivo ejemplo de alguien que está dispuesto a darlo todo y luego un poco más en orden de llevar sus ideas a la pantalla.
El primer filme de Smith es la prueba de lo anterior, para financiarlo, el cineasta renunció a terminar sus estudios para que su escuela de cine le diera un reembolso parcial, vendió su colección de historietas, quemó cuantas tarjetas de crédito pudo sacar y convenció a los dueños de la tienda y el videoclub en el que trabajaba de prestar ambos negocios como locaciones, adicionalmente, el reparto constó de amigos y conocidos, logrando armar su anhelada ópera prima, Clerks, por tan solo US$27,575.00 para después presentarla en el festival de cine de Sundance, en 1994, en donde los derechos de la cinta fueron adquiridos por Miramax, con quienes, a través del éxito comercial y la aclamación de los críticos, Smith iniciaría una relación profesional que continúa hasta estos días.
Smith es reconocido por sus diálogos elaborados al escribir los guiones de sus películas, pero a la vez por un humor soez, muy basado en el uso de malas palabras y todo tipo de referencias sexuales y hasta escatológicas, a la vez que complementa estos recursos con un desarrollo de personajes que tiende a convencernos de que son personas muy auténticas, a pesar de caer en las situaciones más disparatadas y reaccionar a ellas de las maneras más contraintuitivas… y para muestra, demos un paseo por su filmografía.
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CLERKS
Dirige: Kevin Smith
Produce: Scott Mosier, Kevin Smith
Escribe: Kevin Smith
Actúan: Brian O’Halloran, Jeff Anderson, Marilyn Ghigliotti, Lisa Spoonhauer, Jason Mewes y Kevin Smith
Para Kevin Smith, este filme lo empezó todo, su carrera como director, su relación profesional con Miramax, el universo fílmico dentro del cuál tomarían lugar la mayoría de sus cintas y hasta algunos de los personajes más entrañables y queridos por el público de las mismas, nada menos que Jay y Silent Bob.
Clerks es, ante todo, una historia de superación, o al menos, de encontrar la voluntad de superarse una vez que aceptas que te has estancado en la vida y esto lo descubres a través del hastío del personaje principal, Dante Hicks (O’Halloran), a quien, al inicio de la película, su jefe pide trabajar en su día libre, durante el cuál acontece la historia y que sirve como marco para retratar el disgusto que este personaje siente por la etapa de su vida que atraviesa (y haciendo famosa para los seguidores del director su frase cliché «I’m not even supposed to be here today!» o «Ni siquiera se supone que yo deba estar aquí hoy»), pero por si las cosas no fueran tal y como están ya difíciles para Dante, por medio de una amistad tan entrañable como disfuncional, el reto secundario de esta cinta lo presenta el eterno amigo de Dante, el alocado, irresponsable, cínico y tan autodestructivo como destructivo, Randall Graves (Anderson).
El transcurso de este alocado día llevará a estos personajes por caminos inusuales de abordar temas del día a día para cualquier persona como la muerte, el hastío de la rutina, el valor de superarse, la esencia de la amistad y muchos tipos de conflictos que surgen en las relaciones (tanto románticas como amistosas) nos encontramos con una cinta que, en connjunto, tiene mucho que ofrecer al espectador en cuanto a reflexión, sin mencionar que a través de sus coloridos personajes nos ofrece una óptica fresca sobre los mencionados temas y además, incluye el debut de dos personajes de los que hablaba antes, Jay (Meyes) y Silent Bob (Interpretado por el propio Smith), un par de adictos que se pasan todo el día afuera de la tienda, drogándose y vendiendo marihuana, de los cuales, Silent Bob, que le hace honor a su sobrenombre, nunca habla, excepto para ofrecer alguna perla de sabiduría en el momento oportuno.
Clerks no sólo puso a Smith en el mapa sino que forjó su fama como escritor y director a la vez y es una joya del cine independiente que no deberían dejar pasar, aunque, se reconoce, no es fácil de encontrar.
MALLRATS
Dirige: Kevin Smith
Produce: Sean Daniels, James Jacks, Scott Mosier.
Actúan: Jason Lee, Jeremy London, Shannen Doherty, Claire Forlani, Ben Afleck, Joey Lauren Adams, Priscilla Barnes, Jason Mewes y Kevin Smith, Ethan Suplee (Con la aparición especial de Stan Lee).
Tras el éxito que Smith lograra con Clerks, se dio a conocer como un escritor y director idóneo para los jóvenes adultos, por su manera de fusionar las bromas vulgares con diálogos inteligentes y bien elaborados, por lo que un representante de Universal Studios se les aproximó a Smith y a su productor de cabecera y amigo de la escuela, Scott Mossier, para ofrecerles la oportunidad de hacer un nuevo proyecto para el estudio, pero más orientado al público adolescente (un «porkys inteligente», fue lo que se le pidió a Smith), por lo que el joven director empezó a trabajar en un guión, definiendo lo que sería su universo fílmico, dando continuidad a su formato de un protagonista serio y reservado con un amigo entrañable pero disfuncional que lo mete en más problemas de los que ayuda a resolver, además de volver a recurrir a los dos personajes secundarios de Clerks que tanto habían gustado, Jay y Silent Bob y haciendo referencias a situaciones y personajes mostradas o mencionadas en Clerks, y utilizando su afición por las historietas para incorporar elementos de estas en el guión y hacerla más atractiva para los adolescentes.
El resultado fue un filme que no gustó a la crítica, pero que para muchos de los que vieron Clerks fue grandioso, y aunque en las salas de cine no tuvo mucho éxito, encontró su mercado al salir en formato casero, donde legiones de adolescentes y jóvenes adultos se enamoraron del estilo relajado de hacer cine de Smith.
Esta cinta es mucho menos complicada que Clerks y parece más al estilo de comedia de «Ferris Bueller’s day off», pero menos amigable para las audiencias familiares, dado el lenguaje usado en la cinta y algunas escenas con contenido sexual leve.
Mallrats sigue las andanzas de T.S. Quint (Jeremy London), un joven entusiasmado por su viaje de fin de semana con su novia Brandi (Claire Forlani), pero que ve caer todas sus espectativas cuando el padre de la chica, productor de televisión, pide a su hija ocupar el lugar de una amiga de la familia que aparecería en un programa cuyo piloto sería transmitido en vivo esa misma tarde y que, debido a un comentario inapropiado de T.S. murió inesperadamente de una manera bizarra, sin embargo, el joven se muestra reacio a comprender la situación en la que inadvertidamente había metido a su novia, quien, ante la frustración, termina con él.
T.S. busca a su mejor amigo Brodi Bruce (Jason Lee), quien momentos antes también había sido cortado por su novia Rene (Shannen Doherty), así que ambos jóvenes se deciden a olvidar sus penas vagando la tarde por el centro comercial, en donde se encontrarán una serie de pintorescos personajes, como un joven obsesionado con encontrar la forma de uno de esos dibujos con efecto 3D cuando los ves fijamente, una chica realizando una investigación demasiado práctica sobre sexo para un libro que escribe, la ex novia de T.S., el tipo idiota de la tienda de ropa para caballero que pretende abordar a la novia de Brodi, el inmisericorde guardia de seguridad del centro comercial, el padre de Brandi, quien montará su show en pleno centro comercial, además del regreso de Jay y Silent Bob y hasta una aparición estelar del genio de los cómics, el gran Stan Lee.
Con una trama descabellada, menos seria que Clerks, Mallrats aún así nos ofrece el sello de Smith, aunque este se diluye bastante con el tono netamente adolescente con que esta cinta fue realizada… pero que aún así, para quienes disfrutaron Clerks puede resultar atractiva, tan sólo para volver a ver a Jay y Silent Bob, además de ser también ampliamente recomendable para los amantes de los cómics y la cultura pop en general.
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Por cuestiones de tiempo y agenda, llegamos momentáneamente al final de esta primera parte, prometiendo tratar de abarcar lo mucho que falta de la filmografía de este divertido director para la próxima ocasión y recordándoles que pueden seguir este espacio por Facebook (en “Esa voz en tu cabeza“) y por Twitter (a través de @ZarexAvatar o revisando el hashtag #EsaVozEnTuCabeza con regularidad) y dejen sus comentarios y opiniones, tanto del contenido actual, como de lo que les gustaría ver, les aseguro que serán leídas con agrado y respondidos a la brevedad.
Gracias por leer.
Fin de la entrada.
Llegamos una vez más al Domingo de entretenimiento de «Esa voz en tu cabeza», ¿Cansado del desgaste de tu fin de semana?
Bueno, tenemos tres recomendaciones el día de hoy que esperemos te saquen de tu aburrimiento dominical mientras te permiten reponerte de la energía gastada este fin de semana, comencemos…
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La isla Siniestra.
Dirigida por Martin Scorsese y basada en la novela homónima de Dennis Lehane, esta cinta nos presenta la historia de Edward Danniels (Leonardo DiCaprio) un Marshal de Estados Unidos que es llamado junto a su compañero, Chuck Aule (Mark Ruffalo) al hospital psiquiátrico de Ashelcliffe, para los criminalmente locos, para investigar la desaparición inexplicable de una paciente.
Casi de inmediato, Danniels empieza a experimentar alucinaciones y sueños extraños, aparentemente por igual relacionados con su misterioso pasado, que se nos irá develando, como con el bizarro caso que investiga y es que, desde su llegada, ante el comportamiento de los pacientes, como el de los doctores y guardias de seguridad, Danniels exclama «Por cómo se comportan todos, pareciera que la locura aquí es contagiosa».
Este es un trhiller psicológico que desde un comienzo te absorbe en su trama complicada mientras se desenvuelve ante tus ojos, haciéndote cuestionar la cordura de básicamente todo personaje que aparece en pantalla y preguntarte quién es realmente quién en este hospital psiquiátrico de máxima seguridad mientras eres llevado a un final que a algunos tomará por sorpresa y que otros habrán visto como obvio desde tiempo atrás, pero no por ello menos impactante en su realización.
El peso de la trama sobre los personajes llega a tener en algunos de ellos, sobre todo en su protagonista, una carga psicológica tan fuerte que, a momentos, a pesar de ser dos historias muy diferentes, puede llegar a tener en el espectador un efecto similar al de uno de los trabajos cinematográficos que siguieron para DiCaprio, Inception (El origen), de Christopher Nolan
Ampliamente recomendable para los fanáticos del género, además de contener muchos guiños para los seguidores tanto de Alfred Hitchcock, como del cine noir o incluso del pulp, ayudada de su ambientación en el año de 1954.
Esta producción acaba de entrar a la grilla de programación del canal premium Movie City, además de, obviamente, poder ser rentada en el videoclub de tu preferencia.
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Una Cita fuera de serie.
Esta cinta del director Shawn Levy (Más barato por docena, La pantera rosa, Una noche en el museo), nos presenta a dos de los más aclamados exponentes de la comedia norteamericana de los últimos años, Steve Carell y Tina Fey.
La historia gira alrededor de Phil (Carell) y Claire Foster (Fey), un matrimonio con dos niños que, atrapados en el aburrimiento y en la rutina, toman como un llamado de atención que dos de sus mejores amigos han decidido divorciarse, por ello Phil convence a Claire de improvisar un poco durante su noche de cita semanal y deciden ir a un exclusivo restaurant, pero al no poder obtener una mesa, Phil se torna frustrado y al notar que la pareja registrada en una de las reservaciones no aparece, decide tomar su lugar, ante las protestas de Claire.
Aquí es donde la trama realmente comienza, pues Phil y Claire son confundidos por el matrimonio que realmente hizo aquella reservación, metiéndose en un gran problema, pues son inmediatamente abordados y perseguidos por una pareja de matones que aseguran que ellos tienen «una memoria flash» que, según dicen, pertenece a «su jefe».
Phil y Clare deberán demostrar lo lejos que puede llegar una pareja de esposos aburridos y convencionales para sobrevivir a la noche más intensa de sus vidas, mientras se meten en situaciones cada vez más descabelladas y conocen personajes cada vez más inverosímiles en su búsqueda para encontrar la memoria flash que creen salvará sus vidas, ellos quizás terminarán encontrando el verdadero significado de estar casados y aprendiendo, con suerte a confiar más el uno en el otro y mejorar su relación.
Esta cinta no tiene mayores pretensiones y aspiraciones que las de divertir y en ese apartado, sin ningún aspecto a resaltar más allá del entretenimiento palomero que representa, cumple muy bien las expectativas que levanta, presentándonos una interesante mezcla de géneros en la que podemos ver a un par de buenos comediantes en acción llevando discusiones de lo que no les gusta de su matrimonio mientras, por ejemplo, conducen dos autos chocados y atorados entre sí y escapando de medio departamento de policía… entretenimiento hollywoodense en su máxima expresión, sin mucha substancia, pero que te hará pasar un buen rato si estás dispuesto a perderte en él.
Esta cinta acaba de entrar también a la grilla de programación del canal premium Movie City y se encuentra en rotación, además de que la puedes rentar en el videoclub de tu preferencia.
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Religulous
En 2008 fue lanzado este EXCELENTE documental escrito y conducido por el comediante, conductor de televisión y comentarista político Bill Maher y dirigido por Larry Charles.
Religulous, que, según Maher, es la fusión de las palabras «Religion» y «Ridiculous», expresa bastante bien tanto a través de su nombre, como en el modo en que se desarrolla, lo disparatadas que pueden ser las religiones y la manera en que los seres humanos manejamos un doble estándar, criticando todo aquello que nos suena ridículo mientras nos atamos a creencias que consideramos sagradas, pero que no son de naturaleza menos cuestionable.
Este es un viaje, lo más completo que fue posible hacerlo, por varias de las más importantes religiones, además de presentar a algunas personas particulares que dirigen congregaciones o hasta aquel que se cree el mesías moderno.
El enfoque de Maher al abordar a las distintas personas que entrevista, ya sean fieles devotos, dirigentes eclesiásticos, aspirantes a mesías, políticos conservadores o desertores de alguna fe, está pensado, ante todo, para retar a la lógica con humor de maneras desafiantes para cualquier creyente.
Al final, Religulous es una crítica abierta a todas las religiones, y una advertencia de lo peligrosas que pueden ser y lo fácil que se protegen debido a la corrección política actual y a lo inofensivas que algunas podrían PARECER, pero nos insta a no dejarnos llevar y engañar por las apariencias y a, por medio de la risa, despertar a una serie de realidades sobre lo que la religión le ha hecho, le está haciendo y podría hacerle al mundo.
Este documental es ampliamente recomendable, tanto para ateos y agnósticos, como para aquellos creyentes de MENTE ABIERTA que puedan haber notado alguna vez más de una falla lógica en la fe que han decidido abrazar.
Religulous aún se transmite esporádicamente por las señales pertenecientes al grupo de canales premium de HBO, pero para asegurarse de verla, lo más recomendable es lanzarse a rentarla en tu videoclub preferido.
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Así llegamos al final de este Domingo de entretenimiento, esperando que las recomendaciones de hoy les gusten a aquellos que no han tenido oportunidad de verlas. Recuerden seguir este espacio por Facebook (en “Esa voz en tu cabeza“) y por Twitter (a través de @ZarexAvatar o revisando el hashtag #EsaVozEnTuCabeza con regularidad) y dejen sus comentarios y opiniones, tanto del contenido actual, como de lo que les gustaría ver, les aseguro que serán leídas con agrado y respondidos a la brevedad.
Gracias por leer.
Fin de la entrada.
Mucho se habla de lo saturado que se encuentra actualmente el mercado del entretenimiento en lo que corresponde al género de los Superhéroes y la verdad es que aunque a esa aseveración no le falta razón, aún podemos, en comics, cine, videojuegos y televisión, encontrar alguna que otra propuesta interesante y, por raro que parezca, refrescantes y nuevas y hoy, aprovechando su inclusión reciente en la grilla de programación de HBO Plus, les traigo esta recomendación:
DEFENDOR
Produce: Nicholas Tabarrok
Dirige: Peter Stebbings
Actúan: Woody Harrelson, Elias Koteas, Michael Kelly, Sandra Oh, Kat Dennings.
Calificaciones: Para intelectuales: 5/10. Para cinéfilos: 8/10. Para geeks casuales: 7/10. Para hardcore geeks: 8/10.
Curiosidades: Bueno, creo que la mayor curiosidad la aporta la visión del mundo de su protagonista, sabiendo que se rodea de un mundo lleno de oscuridad, no deja de verlo con el idealismo e ingenuidad de un niño.
Con un modesto presupuesto de tan solo cuatro millones de dolares arranca la producción de esta cinta, escrita y dirigida por Nicholas Tabarrok, de quien además es su ópera prima.
La historia nos es presentada en un punto avanzado de la trama, donde un hombre llamado Arthur Poppington (Woody Harrelson) es entrevistado por una terapeuta de la corte, la doctora Park (Sandra Oh), ¿El objetivo? Averiguar si Arthur es apto para regresar a las calles después de un incidente de violencia, por el que fue arrestado, pues metió a un bote de basura al dueño de la lavandería de un centro comercial.
Las entrevistas con la doctora Park nos dejan ver la historia de este extraño, pero carismático hombre, que padece de un leve retraso mental, al estilo del que intentara representar Tom Hanks en su papel de Forest Gump allá por 1994.
La historia de Arthur es sencilla, se trata de un hombre gentil a quien la vida, a pesar de su discapacidad, ha tratado muy mal, sin embargo, ha descubierto que es más fácil lidiar con ella enfrascado en la fantasía de construir alrededor de sí mismo la personalidad de un superhéroe, al que bautizó, si, adivinaron, Defendor.
A pesar de sus obvias desventajas, Arthur se mantiene en buena forma y salvo por las repetidas palizas que recibe de criminales locales a los que hostiga, realmente es más eficiente de lo que cualquiera se podría imaginar como un vengador nocturno, siempre a la casa de aquel que percibe como su mayor enemigo, el «Capitán Industría» (que aunque suena ridículo y es sólo un invento de la mente de Arthur, es un momento clave de la trama entender de dónde viene ese nombre.)
La cruzada de Defendor contra el crímen lo lleva a constantes choques con rufianes de la localidad, además del policía corrupto Chuck Dooney (Elias Koteas), a quienes, a pesar de ser golpeado por ellos constantemente, también logra dejarlos en ridículo con sus inusuales tácticas de combate heróico (arrojando canicas con resortera, arrojando frascos con avispas furiosas dentro, utilizando agua de limón en los ojos de sus prisioneros en los interrogatorios, etcétera)
Durante una de sus constantes golpizas a manos de los criminales, Arthur es auxiliado por una prostituta, Katerina Debrofkowitz (Kat Dennings), una mujer ácida, arisca, con un temperamento voluble y que será tanto ayuda como martirio de Arthur, pero con quien, inesperadamente, irá forjando una fuerte amistad, mientras comprenden entre sí la tragedia humana de una y los delirios infantiles del otro. Pues Kat aprende del oscuro mundo tras las fantasías de Arthur y él de los abusos infantiles que la llevaron a terminar como una prostituta.
A través de Kat, Arthur asocia a si némesis, el Capitán Industria, con un mafioso local, para quien Dooney trabaja, Arthur comienza una campaña intensiva para grabar todas las conversaciones del mafioso y probar su culpabilidad, no sin que este finalmente se entere y mande a sus matones tras de él.
Tras procesar la historia, la doctora Park convence al juez de la corte de permitir que Arthur se quede con su jefe y mejor amigo, Paul (Michael Kelly), quien siempre sale al rescate de Arthur, pues siente una tremenda deuda con él tras haber salvado a su hijo de ser atropellado, además de reconocer en el hombre a un alma buena y gentil.
Sin embargo, Arthur no aceptará fácilmente las condiciones del juez, renunciar totalmente a ser Defendor… y luchará por escapar de su amigo Paul para dirigirse a una confrontación final en la que los protagonistas de esta historia colisionan, con un final inesperado y que deja al espectador con la sensación de haber visto una historia humana y profunda, difícilmente una que se hubieran imaginado al ver la caja del DVD o el nombre de la cinta en español («Defendor: Un héroe sin igual»).
Defendor es, ante todo, una historia humana, no encaja en el género de superheroes, pero es la historia de cómo cualquiera que se disponga a «salvar al mundo» o cambiar todas las vidas que toca y dejar un mundo mejor del que encontró, puede encontrar su camino a ello, a través de cualquier medio que esté a su alcance, ya sea escribiendo, tan solo siendo bueno y gentil… o creyendo ser un héroe…
Quiero recomendar ampliamente esta cinta, si no encuentran los horarios en HBO Plus, búsquenla en DVD, no es una «pieza de arte», pero es un filme emocionalmente estimulante, que incluso al que sea relativamente sensible, le podrá arrancar un par de lágrimas…
Y a destacar están las actuaciones de Woody Harrelson y Kat Dennings, sobre todo el primero, realmente sabe encausar todo el poder oculto de esta cinta, entregándonos a un Arthur que es tierno, inocente, sensible y gentil, pero a la vez fuerte, y dispuesto a golpear sabandijas para llevar a la gente un poco de justicia, sin importar los daños que pueda sufrir en el proceso…
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Así terminamos con la recomendación de este Domingo de entretenimiento, espero que le pongan atención a esta cinta y que la disfruten… recuerden seguir este espacio por Facebook (en “Esa voz en tu cabeza“) y por Twitter (a través de @ZarexAvatar o revisando el hashtag #EsaVozEnTuCabeza con regularidad) y dejen sus comentarios y opiniones, tanto del contenido actual, como de lo que les gustaría ver, les aseguro que serán leídas con agrado y respondidos a la brevedad.
Gracias por leer.
Fin de la entrada.
Bienvenidos al primer Domingo de recomendaciones recreacionales de Esa voz en tu cabeza, en esta ocasión haremos mención de la opción cinéfila obligatoria de esta semana y les hablaremos de un videojuego de fama y prestigio, pero que aún así probablemente algunos de ustedes no hayan tenido la oportunidad de probar, así que, sin más preámbulos, comenzamos:
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THOR
Produce: Marvel Studios
Dirige: Kenneth Branagh.
Actúan: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Tom Hiddleston, Anthony Hopkins y Stellan Skarsgård
Calificaciones: Para intelectuales: 5/10. Para cinéfilos: 7/10. Para geeks casuales: 8/10. Para hardcore geeks: 7/10. Para Marvel zombies: 10/10.
Curiosidades: El uso del alias «Donald Blake», la sutil presencia de Hawkeye, la escena al final de los créditos que prepara el camino para la siguiente cinta de Marvel: «Capitán América: El primer vengador».
Esta semana llega a las salas de cine de México la esperada película «Thor», basada en la aproximación hecha a este famoso personaje mitológico hecha en los 60’s por Marvel Comics bajo la batuta de Stan Lee.
La premisa es sencilla, Odín, padre de Asgard, ya está viejo y busca entre sus dos hijos, Thor y Loki, un sucesor, al pasar de los años, Thor parece ser el heredero del legado de su padre, ante el resentimiento de Loki, que no imagina el secreto por el que su derecho al trono habría sido negado, sin embargo, la necedad, arrogancia, inmadurez e impulsividad de Thor lo llevan a reiniciar la vieja guerra entre Asgard y los gigantes de hielo, así que su padre, en su infinita sabiduría, destierra a Thor a la tierra, privándolo de sus poderes y a la vez lanzando un encantamiento sobre Mjolnir, el fiel martillo de Thor, para que nadie indigno pueda levantarlo, poniendo con ello un plan en marcha para tratar de enseñarle a su hijo a ser humilde y la clase de líder que su gente necesita.
En la tierra Thor inicia, sin darse cuenta, una cruzada para encontrarser a sí mismo, a través de la cuál conoce a la mujer de quien se enamorará, Jane Foster y a un viejo conocido de las cintas de Ironman, el agente Coulson, de Shield, por medio de su travesía, Thor descubrirá las lecciones que fue muy testarudo para aceptar de su padre, pero a la vez, estará impedido de detener el plan de Loki, su hermano, para mantenerlo en el destierro, a la vez que pretende tomar el control de Asgard.
La línea entre el Thor de Marvel y el mitológico es trazada de inmediato en la cinta, conduciendo al espectador a la conclusión de que Asgard, más que un recinto de dioses antiguos, es la residencia de una raza avanzada de seres, cuyo manejo de la tecnología es tan avanzado y tan parte de ellos que para los seres humanos parece cuestión de magia. (Esta era una de las principales preocupaciones de Jon Favreau, Director de las cintas de Ironman, y de Robert Downey Jr. protagonista de las mismas, pues no dejaban de cuestionarse el lugar de un ente mitológico como Thor en el universo tecnológico que fue concebido para Ironman, una vez que ambos mundos se reunan en la próxima cinta de «The Avengers», a estrenarse el próximo año.)
Uno de los puntos fuertes de la película es su alto valor de producción, la majestuosidad de Asgard y los fieros combates contra bestias, gigantes de hielo y muchas más, aunque a cambio de esa fortaleza, se nos entrega una historia sin mucha profundidad, a momentos simplona y algo forzada, no pudiendo evitar el sentimiento de que la trama necesitaba más tiempo para desarrollarse (a pesar de que no se trata de una cinta corta)
Todo fan de los comics de Thor agradecerá la presencia de personajes conocidos, como Sif y los tres guerreros (Volstagg, Fandral y Hogun), todos ellos muy bien caracterizados, además, no faltará quien reconozca al agente Barton de Shield, mejor conocido como Hawkeye (U «Ojo de halcón», para los niños que lo conozcan por las series animadas de estos personajes.)
Y es en esta cuestión de personajes que se refleja otro punto fuerte de esta cinta, pues algunas actuaciones son bastante rescatables, especialmente la de Tom Hiddleston, quien nos regala a un Loki más profundo y menos maquiavélicamente caricaturesco del que vemos en los comics o las series animadas, en la película Loki es un alma torturada que acude a su lado oscuro por aquellas enfermizas razones que él mismo piensa, son con el mejor interés de todos, además de presentarnos a un ser vulnerable que sufre, tanto por la rivalidad con su hermano, como por la súbita sorpresa del secreto de su procedencia.
Thor es una propuesta interesante para niños, adolescentes y adultos dispuestos a perderse en la fantasía y a recordar los comics y series animadas donde aparece el personaje, e incluso gustará a los fans de las películas de marvel, excepto quizás a aquellos que se obsesionen con la idea de que las historias deben ser iguales a las de las historietas. El valor de esta cinta es puramente palomero y una de sus virtudes es que no se toma demasiado en serio, así que si eres fan del género fantástico por su riqueza y profundidad, Thor no te dará lo que encontraste en «Lord of the rings», por ejemplo.
Esa voz en tu cabeza dice: No te la pierdas si: Eres fan de los cómics. Es pasable si: Te gusta el cine palomero en general. Aléjate de ella si: Te gusta el cine serio o eres como el tipo de las historietas de los Simpsons.
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La segunda recomendación de este domingo es un videojuego, y no cualquier videojuego, sino el ganador a mejor videojuego de 2010 en la pasada entrega de los VGA’s, se trata nada más y nada menos que Red Dead Redemption.
Desarrollado por Rockstar games, responsables de la popular saga «Grand Theft Auto», Red Dead Redemption usa todos los recursos narrativos de la cinematografía clásica del western y los funde a su vez con todos los recursos tecnológicos actuales de los videojuegos, añadiéndole una cuidada mecánica de juego y una cantidad de detalles tan enorme que será difícil explorarla en su totalidad durante la campaña.
La historia nos presenta a John Marston, un antiguo forajido reformado que vive sus días en un rancho, con su esposa e hijo, llevando una vida tranquila, hasta que es extorsionado por agentes del gobierno para explorar el salvaje oeste, cazando a los antiguos miembros de la banda a la que pertenecía, Bill Williamson, Javier Escuella y Dutch Van Der Linde.
Mientras el juego se desarrolla, te irás enterando de más y más detalles de la vida previa de Marston, de cómo terminó viviendo en un rancho y de cómo y por qué los agentes del gobierno lo usan para hacer su trabajo sucio.
Durante tu aventura recorrerás el salvaje oeste, participando en duelos, haciendo de caza recompensas al ir tras bandoleros a cambio de dinero, realizando misiones para extraños en problemas, desde algunas cortas, como recuperar algún bien robado, hasta otras tan largas, que te sentirás dentro de World of Warcraft, por si fuera poco, la travesía de Marston te llevará por todas direcciones, desde las obvias, como asaltar un fuerte lleno de bandidos en busca de Williamson, hasta adentrarte en el norte de un México ficticio, donde tendrás que hacer trabajo sucio para el corrupto gobierno mexicano de la región, pero también te aliarás ocasionalmente con los revolucionarios, con la esperanza de que alguno de los dos bandos te lleve a Javier Escuella.
El juego no podría ser más completo, no obstante lo extenso del mapa a explorar y las distintas fases de una historia larga, rica y bien cuidada, los detalles abundan, puedes participar en partidas de Póker, Blackjack, Dado mentiroso, el famoso juego del cuchillo y hasta vencidas, además de poder buscar forajidos en tu tiempo libre para juntar el dinero de las recompensas, responder a retos a duelo por las calles y participar en alguna de las quests que se te van presentando, en donde serás parte de historias cortas de amor, tragedia, traición y la oscuridad más profunda que habita en el corazón del ser humano, todo ello, con la esperanza de cumplir tu misión principal, y reunirte nuevamente con tu familia.
El control es intuitivo y no cuesta mucho habituarse a él, además, cuenta con el modo «dead eye» que te ayuda en momentos de necesidad, como cuando estás rodeado de enemigos, aunque tampoco hace milagros (este modo te pone todo en cámara lenta y te da la oportunidad de apuntar en poco tiempo a una gran cantidad de blancos, para que al presionar el botón de disparo, ejecutes tus blancos a gran velocidad.
Obviamente al ver que se trata de una producción de Rockstar games queda implícito que este es un juego para adultos, y con ese contexto, recomiendo que todo aquel que pueda jugarlo, lo haga, pues no se arrepentirán, es definitivamente una compra obligada.
Por último, hace tiempo se hizo disponible una expansión descargable de este título, misma que estoy esperando a explorar toda la campaña para probar, se trata de lo que es descrito como «Pesadilla de los no muertos», una campaña secundaria en la que, según se especifica a la hora de comprarla, John Marston debe recorrer el salvaje oeste buscando una cura para una plaga zombie que amenaza con «comerse vivo» a todo el territorio.
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Espero que estas recomendaciones hayan sido de su agrado, nos vemos en la entrada de mañana, que es Lunes filosófico. Y no olviden seguir este espacio por Facebook en «Esa voz en tu cabeza» y por Twitter, como @ZarexAvatar (O revisando regularmente el hashtag #EsaVozEnTuCabeza), además, siéntanse libres de dejar sus comentarios sobre lo que piensan de los nuevos formatos o les gustaría ver aquí publicado.
Gracias por leer.
Fin de la entrada.
Bueno, tengo algún tiempo sin escribir sobre medios y tengo mis razones, pero esta vez, debido al peso que una cinta como esta tiene para un fanático de las novelas gráficas como es su servidor, decidí hacer una excepción.
Finalmente...
Consideraciones:
Lo Bueno: La adaptación y el criterio sobre cuales cosas dejar dentro y cuales fuera (Como el calamar gigante…)
Lo Malo: Debido a la extensión de la obra original, mucho buen material se vio cortado o reducido considerablemente, restando profundidad a partes de la historia o desarrollo de personajes, sobre todo de Ozymandias, Doctor Manhattan y Rorschach.
La «Cara de What»: Que no va a faltar quien crea que esta cinta le copio la idea del Plan del villano a la primera temporada de la serie Heroes, cuando fue al revés… (Basando el dicho en comentarios escuchados en la sala de cine…)
Calificación: General – 3/5; Contextual – 5/5
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Lo Bueno:Downey Junior, Tom Cruise y el humor, que funciona a pesar de los absurdos.
Lo Malo: Los momentos en los que el sello de Ben Stiller se desborda en pantalla.
La “Cara de What”: El Tivo y el niño asesino.
Calificación: General – 3/5; Contextual: 3.5/5.
Lo Bueno: Mantiene el mensaje o moraleja del comic y los diseños de las armas de algunos asesinos.
Lo Malo: Se pierde absolutamente todo lo demás (mención especial de todas las referencias a personajes de comics que NO veremos) y los cambios en la historia le impiden a esta sostenerse por sí misma.
La “Cara de What”: La adaptación del origen de “La Fraternidad.”
Calificación: General – 2/5; Contextual – 2.5/5.
Intro:
Cuenta el escritor Miles Millar que en algún punto de su infancia, su hermano mayor, a modo de broma, le dijo que los Superhéroes no existían porque habían desaparecido en una gran guerra contra los supervillanos y es a partir de esta idea que Millar crea un mundo oscuro donde los héroes no existen y aún la palabra “antihéroe” es muy suave para cualquiera de los personajes en ella.
Lo Bueno: El estilo clásico de la serie, con sutileza en el aspecto paranormal.
Lo Malo: Al final es un episodio largo sin mucha trascendencia que no cierra los cabos sueltos dejados por la serie.
La «Cara de What»: El verdadero objetivo de los antagonistas de la historia.
Calificación: General – 3/5; Contextual – 3.5/5.
Lo Bueno: Mucha acción, muchos efectos…
Lo Malo: El desarrollo de la trama y que es demasiado descabellada, aún para ser parte de la saga de «La Momia.»
La «Cara de What»: Los Yetis.
Calificación: General – 2.5/5; Contextual – 3/5.
Lo Bueno: El guión, las actuaciones, el desarrollo, la atmósfera y todos esos nuevos matices nunca vistos en una película de Batman (aunque si en algunos de sus comics) y por supuesto, Harvey Dent y más que nada, el Joker.
Lo Malo: pasa tanto al mismo tiempo y tan rápido que más de uno le va a perder la pista a algo.
La «Cara de What»: Por un momento, durante el clímax, Batman le copia a Daredevil (¿Un tributo invertido a Frank Miller?) y las historias cambiantes sobre las cicatrices del Joker.
Calificación: General – 4/5; Contextual – 5/5
Esa voz en tu cabeza. 
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